ASTRA
галерея современного искусства
ASTRA
Open callДо 60 000ХудожникиStatementCollaboration
ASTRA
EN            

Санкт-Петербургская ярмарка искусства "1703"

14 - 18 июня 2023 г.

ГОША ОСТРЕЦОВ, АЛЕКСЕЙ МОРОЗОВ, ВИТАЛИЙ БАРАБАНОВ, ПАВЕЛ БУШУЕВ, КИРИЛЛ ДОЕШВИЛИ, ДМИТРИЙ МАРГОЛИН, ИГОРЬ ЛИТВИНОВ, АРТУР КРИВОШЕИН, КИРИЛЛ КОТЕШОВ, НИКОЛАЙ ПРОКОФЬЕВ, АННА ПАВЛОВА

стенд А-1

Центральный выставочный зал «Манеж», Санкт-Петербург, Исаакиевская площадь, д. 1

с 11 до 21.00

Кузнецова Дарья

Даша Кузнецова (р. 1989). Живет и работает в Москве. Окончила Факультет графических искусств Московского университет Печати им. Ивана Федорова.

Даша Кузнецова (р. 1989). Живет и работает в Москве. Окончила Факультет графических искусств Московского университет Печати им. Ивана Федорова.

Работает в различных медиа. Многие работы характеризуются особым алхимическим, «духовным» отношением к материалу: дереву, керамике, стеклу и пр. В своем творчестве анализирует широкое поле российской культуры, обращаясь к различным ее пластам, трансформируя и совмещая их. Также сквозными темами в проектах проходят темы сна, онейризма, пограничных состояний, смерти, психиатрии и мистицизма.

Соло:

  • 2022 — "Кита", Спецпроект при Московской Арт Премии, Подземный музей «Зарядье», Москва
  • 2021 — "Урочище Selbst", ISSmag Gallery, Москва
  • 2021 — "Кита", Fragment Gallery, Москва
  • 2018 — "КТО У МЕНЯ МАТЬ НА САМОМ ДЕЛЕ", Старт, Винзавод, Москва
  • 2018 — "11 13 23 31", Дом на Набережной, Москва
  • 2018 — "СЕГОДНЯ БЫЛ ТЯЖЕЛЫЙ ДЕНЬ", Центр Красный, Москва

Дуо:

  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a-s-t-r-a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2021 — "Свидетель Бури" совместно с Дмитрием Хворостовым, Рихтер, Москва
  • 2019 — "14 19 32 43" совместно с Ильей Смирновым, ISSMAG, Москва
  • 2019 — "Perfect Getaway", совместно с Ильей Смирновым, Родос, Греция
  • 2015 — "Забытое имя", совместно с Петром Номто, Центр Красный, Москва

Групповые:

  • 2022 — "Грёзы о молоке. Семиотические исследования к экранизации романа «Мифогенная любовь каст», Центр Вознесенского, Москва
  • 2022 — "Certain times", Lily Robert Gallery, Париж
  • 2021 — "Baitball Project 02", Palazzo San Giuseppe, Polignano a Mare, Italy
  • 2021 — "Bienvenue", Франция, Париж
  • 2021 — "Упражнение в добродетели", ISSMAG, Москва
  • 2021 — "Это сработает, если закроешь глаза", Галерея Art4, Москва
  • 2020 — "VII Московская международная биенале молодого искусства", Cube, Москва
  • 2020 — "Я потерял след мира", Рихтер, Москва
  • 2020 — "Quarter Past Ten", ISSMAG, Москва
  • 2020 — "Smile, angry lamb", Дай Пять, Воронеж
  • 2020 — "Xmas Show 2020", Галерея Пламень, Москва
  • 2019 — "B", Money Gallery, Москва
  • 2019 — "Klavier", Apollo Bar, Краснодар
  • 2018 — "После нас только пепел", Рихтер, Москва

Курирование:

  • 2020 — "Xmas Show 2020", Галерея Пламень, Москва

Участник:

  • 2019 — Мастерские музея Гараж, Москва
  • 2016-2018 — Центр Красный, Москва

Награды:

  • 2022 — Шортлист Московской Арт Премии (проект "Кита", 2021, Fragment Gallery, Москва)


Работы


У окна
Кузнецова Дарья

У окна, 2018

Резьба по дереву ( сосна), акриловый лак, живопись маслом по старинной доске, воск, сталь.
55 х 39,5 х 18,5 см
355 000 ₽
Vomit
Кузнецова Дарья

Vomit, 2021

Живопись маслом, резьба по дереву
64,8 x 29,5 x 4 см
Оля
Кузнецова Дарья

Оля, 2019

Резьба по дереву, лак, замочные скважины и ключи KALE KiLiT 164 F5, различные гитарные струны, электрические клеммы, болты
40 х 63 х 9 см
Вавилон и Византия (триптих)
Кузнецова Дарья

Вавилон и Византия (триптих), 2021

Живопись маслом по деревянной доске, резьба по дереву, сталь, лак
87,5 х 60 см

Литвинов Игорь

Игорь Литвинов родился в 1962 году в Витебске, городе, который является одним из очагов классического авангарда, где жили и творили Шагал, Малевич, Лисицкий и другие представители этого направления. Это и определило творческий путь автора, который работает в стиле абстрактного экспрессионизма. 

Игорь Литвинов родился в 1962 году в Витебске, городе, который является одним из очагов классического авангарда, где жили и творили Шагал, Малевич, Лисицкий и другие представители этого направления. Это и определило творческий путь автора, который работает в стиле абстрактного экспрессионизма. 

С 1983 по 1988 год Литвинов учился на художественно-графическом факультете Витебского Государственного педагогического университета.

В конце 80-х гг начал посещать мастерскую Александра Соловьёва, старейшего абстракциониста Белоруссии. Отношения мастера и ученика со временем переросли в большую дружбу. Именно это общение заложило фундамент, на основе которого сформировался собственный стиль Игоря Литвинова. 

С 1995 по 2017 год Игорь Литвинов прожил в Назарете (Израиль). В этот период художник много работал и выставлялся в разных странах: Испания, Швеция, США и т.д. 

В 2005 году в музее MOra в Нью Джерси принял участие в выставке, посвященной Малевичу, где были представлены работы и самого Малевича, и многих нонконформистов из России.

Вместе с творческой деятельностью формируется его духовное мировоззрение. Многолетнее исследование феномена свободы личности, взаимоотношений личной и творческой свободы, взаимоотношений религии и современного искусства - всё это является основой картин художника.

С 2017 года Игорь Литвинов живет и работает в Москве, ведет активную творческую деятельность, выставляется на ведущих арт-пространствах.

Произведения находятся в коллекциях Музея русского искусства MoRA (Нью-Джерси, США), Башкирского государственного художественного музея  им. М.И. Нестерова (Уфа, Россия), Витебского центра современного искусства (Витебск, Беларусь) а также в частных коллекция в России и зарубежом.

ИЗБРАННЫЕ ГРУППОВЫЕ И ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2022 — Existence of light, галерея a-s-t-r-a, ЦС Винзавод, Москва
  • 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», a-s-t-r-a gallery, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a-s-t-r-a, Винзавод, Москва;
  • 2022 — Программа Арт Москва в рамках 48 Российского атикварного салона,  a-s-t-r-a gallery. Гостиный двор, Москва
  • 2021 — ARTSUMMER, Третьяковская галерея, Москва, Россия
  • 2020 — Персональная выставка «Персональный экспрессионизм», Антикварный центр, Москва
  • 2020 — НОВАЯ РЕАЛНОСТЬ. К 100-летию УНОВИС, Третьяковская галерея, Москва
  • 2019 —  5-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
  • 2019 —  4e rencontre arts plastiques de Mesnil-Église, Бельгия
  • 2019 — «Литвинов и друзья», Гостиный двор, Москва
  • 2019 — 4-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
  • 2018 — 3-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
  • 2018 — 2-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
  • 2018 — «Брутальная нежность» персональная выставка, ЦДХ, Москва
  • 2017 — «Четыре истории», ЦДХ, Москва
  • 2017 — «Свободное пространство», ЦДХ, Москва
  • 2017 — 1-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
  • 2017 — «АРТ-УФА», Уфа
  • 2016 — «Арт-пространство», Витебск, Беларусь
  • 2015 — Центр современного искусства, Витебск, Беларусь
  • 2012 — Галерея «Mika», Тель-Авив, Израиль
  • 2010 — Галерея «En-Hod», Хайфа, Израиль
  • 2009 — Музей «Царскосельская коллекция», Санкт-Петербург
  • 2009 — Галерея «Волга», Москва
  • 2006 — Teatron, Хайфа, Израиль
  • 2005 — Музей русского искусства MoRA, Нью-Джерси, США
  • 2004 — Галерея «Agora», Нью-Йорк, США
  • 2003 — Галерея «Bunker», Стокгольм, Швеция
  • 2002 — Галерея «Pyramida» Хайфа, Израиль
  • 2001 — Галерея «Castro», Хайфа, Израиль
  • 2000 — Галерея «Angel», Тель-Авив, Израиль
  • 1998 — Галерея «Zafon», Хайфа, Израиль
  • 1998 — «Арт-Экспо», Барселона, Испания
  • 1997 — Галерея «En-Hod», Хайфа, Израиль
  • 1993 — Центр современного искусства, Витебск, Беларусь
  • 1991 — Центр Марка Шагала, Витебск, Беларусь

"Творчество Игоря Литвинова находится на острие проблемы преодоления личностной эмоциональной стихии ради выхода в открытый космос абсолютной живописной свободы. Метод, выбранный художником, призван не просто показать заведомую ущербность «реальности», а противопоставить абсурд происходящего в материальном мире трансцендентному хаосу, в котором царствует абсолютная боль. Изломанные, искаженные, заведомое окарикатуренные человеческие персонажи поданы в сочетании с трагичным, беспокойно-экспрессивным, предельно напряженным абстрактным фоном.
Однако такое, казалось бы, естественное стилистическое единство на холстах Литвинова на глазах превращается в загадочный контрапункт – полифонический аккорд, парадоксально соединяющий безжалостность и сострадание, бездонность инфернальных пространств и спасительную волю к свету, безысходность и надежду, ад и чистилище. Фиксируя драму (или комедию – но в дантовском толковании) единства и противостояния всего всему, оптика художника тем не менее обладает даром проникать в абстрактно-конкретную природу пространства-времени – в том числе через апелляцию к древнейшим культурным кодам и мифологемам. Игорь Литвинов активно использует метафизическую пластику архаики как способ самоочищения от диктата линейной логики и здравого смысла во имя достижения священного экстаза ясновидения, позволяющего провести зрителя по изнаночным лабиринтам инобытия, чтобы подготовить к встрече с предстоящими катаклизмами.
Игорь Литвинов считает искусство, а в особенности таинство создания картин – бесконечной мистерией, не имеющей начала и конца, однажды и навсегда попав в которую, художник обрывает любые контакты с чем бы то ни было и целиком погружается в магический ритуал – как иррациональную стихию непредсказуемого. Череда рожденных его кистью и темпераментом, на первый взгляд, диких, варварских образов оформляется в некое живописное действо – сродни шаманским взлётам и погружениям в параллельные миры. В результате тревожные, жалящие, стремительно-агрессивные, разящие наповал мазки превращаются в эпическую симфонию вулканической магмы – идеального строительного материала последних времен.

Каждый холст Игоря Литвинова – это очередной радикальный эксперимент, прыжок в бездну, безумство храбреца-профессионала, приносящего в жертву собственную духовно-телесную экзистенцию, и – как апофеоз – яростное препарирование реальности, призванное обозначить и утвердить художественную волю автора, по-своему манифестирующего вечную актуальность экспрессионизма для дня сегодняшнего и завтрашнего." Игорь Дудинский, арт критик

 



Работы


Большая прогулка
Литвинов Игорь

Большая прогулка, 2021

Холст, смешанная техника
186 х 145 см
SoldИнфанта
Литвинов Игорь

Инфанта, 2020

Холст, смешанная техника
180 х 132 см
SoldСтарый мост в Полоцке
Литвинов Игорь

Старый мост в Полоцке, 2018

Холст, смешанная техника
150 х 200 см
Ночь
Литвинов Игорь

Ночь, 2021

Холст, акрил
183 х 170 см

Марголин Дмитрий

Родился в Ленинграде.

В 2020-м Дмитрий получил предложение расписать храм Святого Иоанна Предтечи в Пушкинских горах. Работа над масштабной росписью продолжалась 5 месяцев и была завершена в сентябре 2020-го года.

Родился в Ленинграде.

Окончил Академический художественный лицей им. Б. В. Иогансона. В 2007-й окончил факультет живописи Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени Ильи Репина.

Живопись, графика и скульптура художника выставлялись в разные годы в залах Академии Художеств, ЦВЗ Манеж, музее Эрарта, галерее ДК Громов и других галереях в России и зарубежом. Его работы входят в коллекцию Русского музея.

В 2020-м Дмитрий получил предложение расписать храм Святого Иоанна Предтечи в Пушкинских горах. Работа над масштабной росписью продолжалась 5 месяцев и была завершена в сентябре 2020-го года.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — Тихий ход. (Не)очевидная арт-сцена Петербурга, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — Cosmoscow art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2021 — Start Art Fair. Лондон, Великобритания
  • 2019 — Уличное и Небесное. Галерея ДК Громов, Санкт-Петербург
  • 2015 — Страсти. Музей Эрарта, Санкт-Петербург
  • 2014 — Ночное Плавание. Итальянский зал Академии Художеств. Санкт-Петербург
  • 2013 — Живопись и графика Дмитрия Марголина. Галерея Мастер, Санкт-Петербург
  • 2008 — Вместе и по отдельности. Галерея МАРТ, Санкт-Петербург

Кураторский текст: Дмитрий Озерков

«...Дмитрий Марголин не пользуется кальками, припорохами и прочими старинными технологиями копирования и прорисовки изображений. Каждую композицию он выдумывает заново, и она не полностью похожа на известные византийские или древнерусские прообразы, которые в ней лишь отчасти узнаются. Например, в сцене «Noli me tangere», где Спаситель открыт и внимателен к идущей к Нему Марии. Он не отстраняется от нее, говоря, «Не прикасайся ко Мне, ибо Я еще не восшел к Отцу Моему» (Ин 20:17), но протягивает к ней руки, словно в ответном объятии. Что это, нарушение канона? Нисколько. Дмитрий Марголин изображает предыдущий эпизод встречи, когда Мария еще только узнает Иисуса. У разверстого гроба она ищет Его тело, чтобы забрать Его. «Иисус говорит ей: ‘Жена! Что ты плачешь? Кого ищешь?’ Она, думая, что это садовник, говорит Ему: ‘Господин! Если ты вынес Его, скажи мне, где ты положил Его, и я возьму Его’» (Ин 20:15). Она все еще не понимает, что это Он, так как вид Его, по всей видимости, отличается от того, к которому она привыкла. И тут Он называет ее по имени, и она узнает Его по голосу: «‘Мария!’ Она обратившись говорит Ему: ‘Раввуни!’ — что значит Учитель!’» (Ин 20:16). И бросается к Нему. И только тут Он предостерегает: «Не прикасайся ко Мне». У Марголина еще нет этих последних слов. А весь этот эпизод изображен в Райском саду, на что, очевидно, художника натолкнуло евангельское слово садовник. Там «все травы да цветы; гуляют там животные невиданной красы». Тигр здесь не атакует косуль, а «синий вол, исполненный очей» возлежит на земле торжественно и достойно. Птицы небесные неимоверных раскрасок чувствуют себя вольготно у ног Спасителя. Это история продантовскую «любовь, что движет солнце и светила». Композиция всей этой сцены восходит к мотиву встречи мужчины и женщины, центральному в творчестве Дмитрия Марголина, раскрытому им и в живописи, и в скульптуре. Его Христос и Мария похожи на райских Адама и Еву, на прекрасных и абстрактных куроса и кору, встречающихся под райскими яблочными кущами. Прообразом церковной росписи послужили скульптуры древнегреческих куроса и коры, которых художник по-своему осмысляет и наделяет христианскими атрибутами. И живописная картина Марголина «Жених и Его Невеста» (2018), где курос-Адам встречает в саду кору-Еву. Это и начало и конец, грядущее падение и обетование спасения.

Где же здесь «ужасное современное искусство» с его иронией и переворотами смыслов, с его политической конъюнктурой и яркими скандалами? Место для всего этого в храме не осталось. Дмитрий Марголин, оставил все это за порогом. Впрочем, и внесенных внутрь мыслей оказалось достаточно для неприятия росписи в целом. Само ее создание не по принятым ныне рублевским канонам и есть жест современного искусства, которое дает ее автору право по-своему составлять хрестоматийные сюжеты из различных иконографических элементов. По виду у Дмитрия Марголина современен лишь «Страшный суд», помещенный, как и полагается, на западной стене. Он представляет собой урбанистическую панораму, где помимо домов угадываются фабричные трубы, доменные печи и бесчисленные заводские краны. Весь этот мир пылает в адском пламени, и этим он противопоставлен вечному цветущему спокойствию райского сада на симметричной сцене. Демон повержен в преисподнюю, а Спаситель торжествует в ограде Небесного Иерусалима. Старинная иконография прочтена современно с добавлением тем экологии и ада машинного производства.

Найти элементы современности при желании можно и в других сценах, но их появление говорит лишь о способности художника мыслить шире заданных рамок. Если кит в сцене с Ионой совершенно хрестоматиен и ведет свое начало откуда-то из ярославских росписей, перенесенных из Библии Пискатора, то грубые крестьянские лица псковских пастухов в сцене «Рождества» обращают на себя внимание своей «настоящестью». Они близки современным лицам, что роднит их со всей историей изображения этого сюжета в мировом искусстве. Простота лиц контрастирует с явлкенным чудом. У Марголина за этими лицами читается вся русская поэтическая традиция рассказа о Рождестве от Пастернака до Бродского, с «оглоблей в сугробе». Сотник Лонгин в сцене «Распятия» тоже современен. На нем нет шлема, а бритая голова и усиленная защитой униформа выдает в нем современного силовика. Впрочем, надпись «SPQR» на его куртке и канонические наряды остальных персонажей не оставляют сомнения в евангельской природе происходящего.

Немаловажно в этой храмовой росписи ее монументальное единство от мельчайшей детали, как, например, оперение птицы в «Noli me tangere», до всего трехмерного единства в целом. Здесь есть программа, есть канон и есть его интерпретация в красках. Есть свое тщательное и умное прочтение канонического текста, молитвенное размышление о нем и его сегодняшнее прочтение. Вовсе нет здесь злого умысла и попытки поколебать устои. Есть, напротив, желание показать, что христианская история жива и более чем современна. И что именно сегодня помимо базового образования и исполнения ритуалов художнику и простому прихожанину требуется невероятное сосредоточение и высокая мораль для того, чтобы продолжать называть себя христианином».

Острецов Гоша

Сегодня работы художника можно увидеть в Московском музее современного искусства, в Русском музее и Третьяковской галерее. В 2009 году Георгий стал одним из участников выставки в Российском павильоне на 53–й Венецианской биеннале современного искусства.  

Родился в 1967 г. в Москве.

В 1984 г. закончил Театрально-художественное училище при Большом Театре в Москве. Входил в группу художников «Детский сад». 1988-1998 гг. жил в Париже, работал с Жан-Шарлем де Кастельбажаком, Жан-Полем Готье, Люком Бессоном. 

Произведения находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи в Москве, Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге, Московского музея современного искусства РАХ в Москве, Музея Арктики и Антарктики в Санкт-Петербурге, Музее Сновидений им. З.Фрейда в Санкт-Петербурге, в частных коллекциях Чарльза Саатчи, Симона де Пюри, Лоуренса Граффа и др.

В своих работах Острецов обращается к эстетике комикса. Он создает авторскую иконографию в духе мейнстримовского комикса. При этом, в отличие от американских художников Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна, Острецов не копирует чужие иллюстрации, а разрабатывает свою графическую историю, близкую комиксам в стиле action.

«Новое правительство» — серия фантастических инсталляций, устроенная как американский комикс. В ней нет прямых отсылок ни к стране, ни к архитектуре. Но что-то, вероятно иррациональное, выдает происхождение работ. Может, потому что все мы наследники тоталитаризма — и зрители где-нибудь в Saatchi говорят после выставки: «А, ну теперь мы понимаем, как у вас в России все устроено». Искусство вскрывает национальные коды. Естественным путем возникают международные коммуникации.

Проект «Самоцветы инакомыслия» — это некий серый мрачный супрематический мир из рельефов, напоминающих макеты домов, в котором вдруг возникают динамичные абстрактные формы ярких цветов, взорванные архитектоны — самоцветы инакомыслия. Это одновременно интимные и монументальные формы. В каждой инсталляции я задаю сюжет: преследование, тюрьму, побег, взрыв, терновый венец." Гоша Острецов

ИЗБРАННЫЕ ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Готовый мир будущего от РОБОБЮРО, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 – Самоцветы инакомыслия. Галерея Syntax, Москва, Россия
  • 2021 – Подобие подобному подобного. Галерея Syntax, Москва, Россия
  • 2019 – Вечеринка для путешественников во времени. Галерея Syntax, Москва, Россия 
  • 2019 – Солнцебоорцы. ГУМ-Red-Line, Москва, Россия
  • 2019 – How To Learn The Upside Down World? NK Gallery, Антверпен, Бельгия
  • 2018 – 360 градусов изнутри. Artis, Москва, Россия
  • 2017 – I've been abducted hundreds of times! Palazzo Nani Bernardo, Венеция, Италия
  • 2016 – Меня похищали уже сто раз. Triangle gallery, Москва, Россия
  • 2014 – Автотранспорты НП. ЦСИ Заря, Владивосток, Россия
  • 2010 – Heavy Patients. Галерея Rabouan Mousson, Париж, Франция
  • 2010 – Love For Electricity. TM Project, Женева, Швейцария
  • 2009 – Апокалипсис. Галерея M.&J. Guelman, Москва, Россия
  • 2009 – Банальность и вечность. Галерея Триумф, Москва, Россия
  • 2009 – Robbing Good. Галерея Paradise Row, Лондон, Великобритания
  • 2009 – Coolville. Галерея Claire Oliver, Нью-Йорк, США
  • 2008 – Мертвые души. Галерея Триумф, Москва, Россия
  • 2008 – Молоко-SOS. Ravenscourt Galleries, Москва, Россия
  • 2007 – Salon Beaute. Rabouan-Moussion Gallery, Париж, Франция
  • 2007 – Ремонт. Московский музей современного искусства, Москва, Россия
  • 2005 – Беззаконие. Галерея Марата Гельмана, Москва, Россия
  • 2004 – Перфоманс. Церемония представления Нового Правительства к «Серебренному ордену чести» лучшего народа Российской Федерации. S.Art Gallery, Москва, Россия 
  • 2002 – Вандалы и генералы Нового Правительства. Галерея М.Гельмана, Москва, Россия
  • 2001 – Агитация за искусство. Галерея М. Гельмана, Москва, Россия
  • 2000 – Новое Правительство. Галерея М. Гельмана, Москва, Россия
  • 2000 – Посетитель. Государственный Русский музей, Мраморный дворец, Санкт-Петербург, Россия

ИЗБРАННЫЕ ГРУППОВЫЕ ПРОЕКТЫ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a-s-t-r-a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2023 – Мир идей, галерея a-s-t-r-a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 – Новое из старого. Галерея «Краснохолмская», Москва
  • 2021 – 2МАП. Медиацентр парка «Зарядье», Москва
  • 2019 – Актуальное искусство. Современные художники. ГУМ Red Line, Москва, Россия 
  • 2016 – Kollektsia! Contemporary Art in the USSR and Russia. 1950-2000. Centre Pompidou, Париж, Франция 
  • 2016 – Русские художники-участники Венецианской биеннале. ЦВЗ Манеж, Санкт-Петербург, Россия 
  • 2015 – Something else. Off biennale, Каир, Египет 
  • 2015 – Просвещение. В рамках 6 Московской биеннале современного искусства, Сколково, Москва, Россия 
  • 2015 – Розовый ящик. Музей Эрарта, Санкт-Петербург, Россия 
  • 2015 – Liberation continued. Graz museum, Грац, Австрия 
  • 2014 – Реконструкция 2 Фонд «Екатерина», Москва, Россия 
  • 2014 – Современный рисунок. Государственный Русский музей, Мраморный дворец, Санкт-Петербург, Россия 
  • 2013 – Части целого. В рамках 5 Московской биеннале современного искусства, Винзавод, Москва, Россия 
  • 2012 – Gaiety Is The Most Outstanding Feature Of The Soviet Union. Saatchi gallery, Лондон, Великобритания 
  • 2011 – Русский пейзаж. Галерея М.Гельмана, Москва, Россия 
  • 2009 – Русский павильон 53 Венецианской биеннале современного искусства. Венеция, Италия 
  • 2009 – Другая мифология. ГЦСИ, Москва, Россия 
  • 2009 – Вторжение: отторжение. Baibakov Art Projects, Москва, Россия 
  • 2008 – Мертвые души. Галерея «Триумф», Москва, Россия 
  • 2008 – Русская рулетка. Nassauischer kunstverein, Висбаден, Германия 
  • 2008 – Laughterlife. Diehl + Gallery One, Москва, Россия 
  • 2008 – Zoo Art Fair (Paradise Row). Лондон, Великобритания 
  • 2008 – Domestic Appliance. Flowers East Gallery, Лондон, Великобритания 
  • 2007 – Соц-Арт. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия 
  • 2006 – Amateurs. Центр современного искусства Marres, Маастрихт, Голландия 
  • 2005 – Russia 2 Bad News from Russia. WHITE BOX, Нью-Йорк, США 
  • 2004 – Россия 2 Специальный проект в рамках 1 Московской биеннале современного искусства, Москва, Россия 
  • 2001 – Искусство на время. Грац, Австрия. 
  • 1996 – Коллекция латексных костюмов и масок в галереях 13-го квартала (Jenifer Flay Gallery, Emmanuel Perrotin Gallery, Gallery Praz — Delavallade e.t.c.). 
  • 1996 – Correction. Галерея e.O.f., Париж, Франция 
  • 1993 – Биеннале современного искусства в Стамбуле, Турция 
  • 1992 – Манифестация иллюстраторов Франции. Городская библиотека, Виллёрбан, Франция 
  • 1990 – Arte Sacra Biennal. Пескара, Италия. 
  • 1985-1986 – Выставки с художниками-нонконформистами группы «Детский сад». Москва, Россия 
РАБОТЫ НАХОДЯТСЯ В СОБРАНИЯХ:
  • Государственная Третьяковская галерея, отдел новейших течений, Москва
  • Государственный Русский музей, отдел новейших течений, Санкт-Петербург
  • Музей современного искусства, Москва
  • Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург
  • коллекция галереи Saatchi, Лондон, Великобритания
  • коллекции фонда Zabludowitcz, Лондон, Великобритания
  • Музей Арктики и Антарктики, Санкт-Петербург
  • Музей сновидений им. З. Фрейда, Санкт-Петербург
  • Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург
  • частные коллекции в России и за рубежом

Прокофьев Николай

Родился в 1993 году в Москве.

Основные медиумы - живопись, графика. Источником вдохновения для меня служат мифология, оккультизм и архаичное искусство.

Родился в 1993 году в Москве.

Основные медиумы - живопись, графика. Источником вдохновения для меня служат мифология, оккультизм и архаичное искусство.

ОБРАЗОВАНИЕ:

  • 2020-2022 — Институт БАЗА
  • 2015-2022 — Академия Ильи Глазунова 
  • 2010-2015 Московское Академическое Художественное Училище памяти 1905 года

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ И ПРОЕКТЫ:

  • 2022 — a-s-t-r-a Open.Vol 1, галерея a-s-t-r-a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — участие в выставке «Дано:», ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — участие в выставке «Demiurge forges his destiny», The 3rd floor gallery, Москва
  • 2021 — участие в фестивале «Advent. Начало», Новая Третьяковка, Москва
  • 2020 — участие в групповой выставке «Мой новый любовник», Москва
  • 2018 — участие в выставке «Дом Наркомфина», Галерея «открытый клуб», Москва
  • 2018 — участие в XXXVIII Молодежной выставке, выставочный зал МОСХ России, Москва
  • 2017 — участие в благотворительной акции «искусство для жизни», «Музей Русского Искусства», Москва
  • 2014 — выставка «Fabrika Cafe&Gallery», Москва
  • 2013 — участие в выставке «старый новый город», Галерея «открытый клуб», Москва


Работы


Переступающий
300 000 ₽
Объединение
300 000 ₽
Сурьма и румяна
220 000 ₽
Око
Прокофьев Николай

Око, 2020

Холст, акрил
90 х 90 см
270 000 ₽

Барабанов Виталий

На разных этапах своего творчества Барабанов обращался к самым разным техникам: используя автоматическое письмо, фиксировал образы из виртуальной реальности, привлекал животных для создания произведений искусства, экспериментировал с пигментами и текстилем. Виталий прибегает в создании работ к использованию различных медиа, сохраняя основной фокус на исследовании возможностей живописи и графики. Для его художественной практики очень важен природный аспект.

Родился в Загорске в 1986 году.

Живет и работает в Москве. 

На разных этапах своего творчества Барабанов обращался к самым разным техникам: используя автоматическое письмо, фиксировал образы из виртуальной реальности, привлекал животных для создания произведений искусства, экспериментировал с пигментами и текстилем. Виталий прибегает в создании работ к использованию различных медиа, сохраняя основной фокус на исследовании возможностей живописи и графики. Для его художественной практики очень важен природный аспект.

Участник artist-run space Центр «Красный» (2015-2017).

"Прежде всего, я считаю что путь художника- это очень большой, системный, каждодневный и последовательный труд. Один из моих учителей, говорил, что труд художника больше не физический, а умственный. Но хотелось бы сказать, что и физическая составляющая труда тоже громадная. Сложно рассуждать про свой творческий путь, так как я считаю что хорошего художника нужно рассматривать спустя 20-30 лет его творчества, где последовательно видны его этапа творчества, методология работы и смена медиумов. Хотя я и рисую, наверное лет с 4-5 постоянно, окончив художественную школу, художественное училище, Академию и Институт современного искусства, изучив разные Техники и методы работы, считаю осознанное начало пути Современного художника с 2014 года. Именно с 2014 года я стал иметь доход от своих произведений. Но, я думаю, что с момента поступления в художественную школу, я уже понял что буду художником. Помню, мой первых учитель сказал, увидя моё рабочее место в студии- Ну вы посмотрите, у всех порядок и всё лежит на своих местах, а у Барабанова какой то только ему понятный порядок и хаус- наверное он будет настоящим художником. 

...Меня вдохновляет очень много гениев. В основном это художники изучающие и экспериментирующие с живописью: Малевич, Матисс, Моне, Бюрен, Ротко, Мерету, Поллок, Дойг, Хокни, Врубель. Из художников работающих с другими медиумами- очень нравятся Ханс Хааке и Пьер Юиг."

Виталий Барабанов в интервью для журнала "Объединение"

ОБРАЗОВАНИЕ:

  • 2001-2005 АХПУ им Васнецова
  • 2006-2011 Московская Художественно-промышленный Университет им Строганова
  • 2014-2016 Институт БАЗА

ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — "Хроники Внутренней Природы", a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 — «Сады Нарциссов», галерея «Наковальня», Москва 
  • 2021 — «Make garden great again”, Shilo gallery, Blazar 
  • 2021 — «Perfect decay”, Shilo gallery, Cube Moscow 
  • 2017 — «Красные гвоздики», центр Красный, Москва
  • 2017 — «Красный. 2.0», Центр «Красный», Москва
  • 2017 — Plastic Cultura, Osnova галерея, Москва
  • 2016 — «Красный 1.0», Центр «Красный», Москва
  • 2016 — «Практики пленэра», Osnova галерея, Москва
  • 2015 — «Красный. 0.5», Центр «Красный», Москва
  • 2012 — «Супрематизм в контуре», ДОМ, Москва.

ГРУППОВЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Cosmoscow, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — «Мифы и случайные встречи», Ural vision gallery, Екатеринбург 
  • 2021 — «Живое вещество», государственная Третьяковская галерея на Крымском валу, Москва
  • 2021 — «Выбирая дистанцию: спекуляции, фейки, прогнозы в эпоху коронацена», музей современного искусства Garage, Москва
  • 2021 — «Метапауза», ДК Громов, Санкт Петербург
  • 2021 — «Выбор коллекционера ШиК», Всероссийский музей декоративного искусства, Москва
  • 2020 — Специальный проект Московской молодёжной биеннале «Группа поддержки», Cube, Москва
  • 2020  — «Весна которой не было», Шар и Крест, Москва 
  • 2019  — «В гостях у Валеры» OZON gallery, CUBE Москва
  • 2018 — «Дарья Кудинова и Виталий Барабанов», галерея Osnova, Москва
  • 2017 — «Cosmoscow”, специальный проект, гостинный двор, Москва
  • 2017 — В рамках Стамбульской Биеннале «Picture of nothing», PG Art gallery, Стамбул
  • 2017 — «Прозрачные границы», Центр Красный, Москва
  • 2017 — «Ура Скульптура», Манеж, Санкт-Петербург
  • 2016 — «Психо», Фабрика, Москва.
  • 2016 — «Открытые системы. Опыты художественной самоорганизации в России. 2000–2015», Красноярск. 
  • 2016 — «Политика хрупкости», галерея «На Шаболовке», Москва
  • 2016 — «Сырое/Вареное», Специальный проект 5 биеннале молодого искусства ММСИ, Москва
  • 2016 — «Передвижной музей одной картины», Галерея «Беляево», Москва
  • 2015 — «Ура Скульптура», Винзавод, Москва
  • 2015 — «Открытые системы. Опыты художественной самоорганизации в России. 2000-2015», Гараж, Москва
  • 2015  — «Грязное бельё», Центр «Красный», Москва
  • 2015 — «Манифест. Пульс 2», Малый манеж, Санкт-Петербург
  • 2015  — «На карантине», Центр «Красный», Москва
  • 2015  — «Делай Медиум», Музей Москвы, Москва
  • 2015  — «Голоса», Центр «Красный», Москва
  • 2015 — «Футуристическая мимикрия», Домик Чехова, Москва
  • 2015  — «Бомба», Центр «Красный», Москва
  • 2014 — «Манифест. Пульс 1», Малый Манеж, Санкт-Петербург
  • 2014 — «До и После», IV Московская биеннале молодого искусства, галерея «Туннель», Москва
  • 2014 — «Бойс, Йозеф Бойс, Мой Бойс», РМСИИ, Ростов на Дону
  • 2012 — «Открытое письмо» паблик-арт акция, Музеон, Москва
  • 2012 — «Стратегический проект» III Московской биеннале молодого искусства, ММСИ, Москва
  • 2011 — «В стиле Малевича», Москва, ДОМ
  • 2010 — «Артзонд», Малый манеж, Санкт-Петербург

«Всё началось, когда в 2018 году я параллельно с экспериментами по созданию «живого произведения» и «живописью действия» начал работать непосредственно с изобразительностью. В результате этих поисков в 2021 родился проект «Perfect decay”. Здесь я исследовал взаимосвязь своих психоэмоциональных состояний и памяти о местах, где я был, и куда время от времени, как бы возвращаюсь в своем воображении. В этих «путешествиях», я пытался вслушиваться в меняющиеся состояния природы и хотел ощутить одновременно ее цикличность и непостоянство. Это в результате привело к «распаду» изображения, невозможности зафиксировать его устойчивое состояние. Собственно, на основе этой работы, я стал пробовать называть «природой» свою внутреннюю реальность. Здесь для меня принципиально важно подчеркнуть, что создавая изображения, я работаю исключительно с пространством «внутреннего» –  территории, где только и возможна встреча воображения с памятью. Непосредственно поэтому, я намеренно не прибегаю к переносу изображение на холст с фотографии. Я считаю, что фотография – это мертвая натура, всего лишь момент, остановленный затвором камеры, тогда как моей целью в проекте Perfect Decay – было ухватить и представить зрителю сам процесс, с присущей только ему динамикой.

Позже, уже в проекте «Make garden great again” я сформировал понятие «Сада», как свой внутренний автопортрет, в каждый день, когда создавалось произведение, где я рассматривал своё состояние через фрагмент пейзажа или даже растения. По законам медиума в проекте, каждая работа начатая в один день- обязательно должна быть законченна в тот же день, чтобы запечатлеть мою «внутреннюю природу» и психоэмоциональное состояние в этот день. Сейчас «Сад» представляет собой некий конструкт из разных фрагментов пейзажей, которые я соединяю в «идеальную природу», которая передаёт моё состояние в процессе создания.» 

цитата Виталий Барабанов, художник

Проект "Perfect Decay"

"На разных этапах своего творчества Барабанов обращался к самым разным техникам: используя автоматическое письмо, фиксировал образы из виртуальной реальности, привлекал животных для создания произведений искусства, экспериментировал с пигментами и текстилем. Но на настоящий момент его авторские поиски сконцентрированы вокруг экспериментов с возможностями живописи и графики.

В проекте Perfect Decay Барабанов исследует взаимосвязь своих психоэмоциональных состояний и памяти о местах, где он некогда был, и куда время от времени возвращается в своем воображении. В этих «путешествиях» художник особенно чутко вслушивается в меняющиеся состояния природы, пытается ощутить одновременно ее цикличность и непостоянство. Что в результате логично приводит к «распаду» изображения, невозможности зафиксировать его устойчивое состояние. Поскольку «природа» как цельное понятие, устоявшееся c XIX века, в наши дни дискредитировано, Барабанов предпринимает попытку назвать «природой» свою внутреннюю реальность, и тем самым оставляя право давать чему-либо название за самим художником. В этом смысле для автора принципиально важно подчеркнуть, что создавая изображения, он работает исключительно с пространством «внутреннего» –  территории, где только и возможна встреча воображения с памятью. Именно поэтому Барабанов намеренно не прибегает к переносу изображение на холст с фотографии. Ведь  фотография – это мертвая натура, всего лишь момент, остановленный затвором камеры, тогда как цель художника в проекте Perfect Decay – ухватить и представить зрителю сам процесс, с присущей только ему динамикой.

Текст Андрея Мизиано

Проект "Сады Нарцисса"

"Виталий Барабанов на протяжении всей своей художественной биографии последовательно изучает возможности живописи. Однако решением проблем цвета и композиции он не ограничивается. На разных этапах своих творческих поисков Барабанов прибегал к автоматическому письму, «траспонированию» образов и изображений, рожденных в виртуальной реальности, экспериментам с природными пигментами и текстилем, и даже вовлекал в процесс создания произведений домашних животных.

Настоящий проект Барабанова органично выходит из предыдущего, который был посвящен исследованию «внутренней природы человека». Художник создал ряд пейзажных работ, которые при всей своей кажущейся классической на уровне жанра форме являлись автопортретами, составленными из фрагментов воспоминаний автора.

«Сады Нарцисса» унаследовали от упомянутой серии в первую очередь визуальный язык и отчасти форму, тогда как содержание и критический фокус поменялись радикально. В этот раз Барабанов использует пейзаж как самый любимый и кажущийся ясным и понятным для массового зрителя жанр. Делает он это, вне всяких сомнений, намеренно, иронично потакая общественному запросу на «легкое искусство», но при всем при том заходя еще дальше, создавая свои пейзажи поверх зеркал. Ни для кого не секрет, что заметная часть аудитории современных музеев — это люди, пришедшие не для того, чтобы посмотреть выставку, изучить заложенные в нее художником и куратором идеи, а чтобы лишь задействовать размещенные в залах произведения искусства как задник для фотосессии.

Однако нельзя сказать, что Барабанова занимает исключительно сложившаяся в наше время проблема «(не)смотрения» на искусство, становящееся в таких обстоятельствах не более чем декоративной подложкой для чьей-то саморепрезентации в сети. Так как в конечном счете, если в ДНК самой работы изначально заложена возможность подобного рода интеракции между субъектами, то смысл, рождающийся в ходе запрограммированного взаимодействия, выходит за пределы односложной игры в поддавки и заставляет задуматься о вопросах иного порядка. Главный из которых: «зачем человек в цифровой век все еще испытывает необходимость наблюдать природу, и почему форма пейзажа остается непреходящей?".

Текст Андрея Мизиано

Реликварий органической живописи

Проект продолжает «эксперименты» автора по созданию «живого» произведения в соавторстве с природой. Для меня очень важно в живописных практиках использовать связь natura и cultura. То есть создание произведений, не отделяя себя от природы и даже часто внутри неё самой. Проект исследует возможность создания нового «тела» и новой «кожи» картины с помощью свойств коллектива по Латуру (сочетание человеческого и нечеловеческого, а также новый тип акторов). 

Холсты представленные в проекте производятся с помощью помещения натуральных тканей в сосуды для выращивания комнатных растений (кашпо), где негрунтованный холст является почвой для «выращивания» живописи. Художник поливает «почву» растворами пигментов и разными связующими. «Уход» за «почвой» может длиться как от нескольких дней так и до нескольких недель. После того, как художник считает произведение законченным, холсты достаются из сосудов. После сушки они натягиваются на специальные подрамники, чьи формы добавляют сакральности произведению.

Важным является размер холстов больше человеческих, аппелируя к activ painting и абстрактному экспрессионизму.

Из некоторых частей «выращенных» холстов создаются «мозаики», где сшиваются произведения из разных фрагментов тканей. Мозаики могут напоминать также готические витражи с использованием фрагментов супрематический элементов.

В первой части инсталляции представлены холсты, которые выстраиваются в галерею-коридор, который ведёт к «алтарю». Коридор варьируется по размеру и имеет только один правильный выход. Самой значимой частью является «алтарная» часть. Там располагается большой трёхчастный холст, созданный по принципу древнехристианского складня. Во внутренней его части неоновая скульптура реликвии основных цветов радуги, как символ законов природы.



Работы


Неожиданный эпизод
Барабанов Виталий

Неожиданный эпизод, 2021

Canvas, natural pigments, acrylic and natural binders, wood, plastic
300 x 250 cm
750 000 ₽
Без названия
Барабанов Виталий

Без названия, 2021

Холст, смешанная техника
150 х 150 см
450 000 ₽

Доешвили Кирилл

Кирилл Доешвили — художник, поэт, музыкант. Изучал искусство, философию, поэзию, литературу. Посещал курсы вольнослушателей при Академии Репина. Учился в Днепропетровском художественном училище. Участник российских и международных выставок и резиденций.

«Я копаю глубоко землю, чтобы находить самую чистую воду и это мой путь, который я должен пройти». 

Кирилл Доешвили, художник в начале своей карьеры, поэт и музыкант, изучавший искусство, философию, поэзию, литературу и вольнослушателем посещавший курсы при Академии им. Репина. «Я копаю глубоко землю, чтобы находить самую чистую воду и это мой путь, который я должен пройти», говорит Доешвили и примеряет на плоскости бумаги субъективное и метафизическое время, занимая позицию мастера, работающего с реальностью. Само рисование превращается для него то в собеседника, то в незнакомца, с которым он начинает жонглировать образами. 

Художник — архитектор миров. Символично, что создавая пространства для своих героев Доешвили использует именно архивную архитектурную бумагу.

Родился 29 июня 1988 года в Санкт-Петербурге.

С 2022 г. живет и работает в Москве.

Кирилл Доешвили — художник, поэт, музыкант. Изучал искусство, философию, поэзию, литературу. Посещал курсы вольнослушателей при Академии Репина. Учился в Днепропетровском художественном училище. Участник российских и международных выставок и резиденций. 

Свое искусство Кирилл видит через глаз, не подчиняющийся рукотворным законам перспективы, глаз, не испорченный композиционной логикой, глаз, который не отзывается на названия всего, но который должен познать каждый встречающийся в жизни объект через приключение восприятия.

«Я копаю глубоко землю, чтобы находить самую чистую воду и это мой путь, который я должен пройти».

Доешвили примеряет на плоскости бумаги субъективное и метафизическое время, занимая позицию художника, работающего с реальностью. Само рисование превращается для него то в собеседника, то в незнакомца, с которым он начинает жонглировать образами. В процессе они меняются, как и меняется их взаимосвязь с пространством и друг с другом. Проявляются новые слои взаимодействий с силой, которая управляет этим измерением. «Как течёт вселенная, так и мы проистекаем, потому что мы ее звездная пыль», — говорит художник.

Художник — архитектор миров. Символично, но для создания своих героев Доешвили использует именно архивную архитектурную бумагу. На листах вдруг оживают вымышленные персонажи: Трещак ненаказанный, Дружелюбный Пират рохля, Бродячий Аполлон, Ненаучный болтун, Нерастраченный клиент Нептуна, Ромео печальник, Лунатик Пьеро и другие.

Герои постоянно общаются телепатически и находятся в едином поле, в процессе обмена чем-то, на что звезды им дают благословение. Каждая работа — это новая ситуация, в которой динамично разворачиваются события,  но все они одновременно связаны общей логикой и персонажами. Среди них нет плохих или хороших. Они все объяты пламенем любви, но не знают как ее правильно выражать. Точно как и мы.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Blazar, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 — Сок из камня и земли, галерея a-s-t-r-a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — a—s—t—r—a open.vol. 2, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2020 — арт-резиденция «Южный Берег» тема: «Тайна»
  • 2020 — участник проекта НОВАЯ РЕАЛЬНОСТЬ. К 100-ЛЕТИЮ УНОВИС.
  • 2020арт-форум Berlin Art.
  • 2020 — выставка экспрессионизма, Гостиный двор
  • 2020 — создание психоделических объектов на арт-фестивале “Sunburn” Goa, India.
  • 2019 — арт-резиденция «Южный Берег»
  • 2018 арт-фестиваль «Краски мира» г. Коктебель.
  • 2017 — создание и арт-оформление дизайна, “Extreme festival”
  • 2016 «Таврида»

Работы Доешвили находятся в частных коллекциях в России, Украине, США, Австралии, Англии, Германии, Чехии. 

МИР ДОЕШВИЛИ

Инстинктивная Вера в художественную форму, симбиоз внутренних и внешних путешествий, знаки на пути продвижения в искусстве.

Не задумываясь о том, что смерть близка, я постоянно пытаюсь постичь  пустотность всех форм, которые искажаются и видоизменяются, имеют свою величину и даже формальное понятие времени. Когда человек  усердно рисует или пишет, то у него появляется два типа знаков продвижения по пути — определённые и неопределённые, — которые показывают, что вскоре результат будет достигнут. 

Неопределённые знаки, называются основными и появляются благодаря предыдущим связям, даже если человек вообще никогда не занимался искусством . Поскольку на них нельзя полагаться, я не буду их описывать здесь.

Определённые знаки появляются в результате рисования и бывают двух видов: преходящие и неизменные.

Преходящие знаки могут появляться как в действительности, так и в настроении. Что касается первого вида, то, когда ты делаешь предварительные наброски, ты можешь ощущать, будто твоё тело вот-вот развалится, как стены трескающегося дома. Твой голос может ослабевать, как в состоянии крайнего изнеможения. Ты можешь начать конвульсировать, как одержимый духами. Это показатели того, что ты разделил действительность и мир образов.

В настроении может появляться разочарование собственным телом, речью и умом. Это демонстрирует то, что ты очистил себя . Если эти состояния не появились, значит, ты не обрёл достаточного опыта, поэтому необходимо дальше погружаться в форму.

В результате усталости,действительные знаки проявляются в блаженстве физического тела, в том, что ты хочешь выговориться, а в уме всё переживается, как пространство. Ты можешь чувствовать: «Ничего не существует!» Вместе с этим появляется радость, чистая как небо. У тебя может появиться ощущение, что ты забыл о том, что есть тело, не замечаешь дыхания и не хочешь покидать  состояния отсутствия мыслей, думая: «Вот оно!» Это знаки овладения стабильностью своего естественного состояния, которое изначально присуще нам. 

Понимание этого может проявляться и в ощущениях: куда бы ни двигалось твоё внимание, ты понимаешь и постигаешь, что это твой собственный ум, видишь проекции и возвращения своих мыслей как собственное проявление и понимаешь, что они абсолютно несубстанциональны, как пространство. Это знаки того, что посредством воззрения ты определился в том, что явления — это твой ум.

Котешов Кирилл

Художник из Кемерово, выпускник академии им. Штиглица. Создает индустриальные пейзажи, трансформированные в соответствии с особой философией автора в футуристичные образы города. Использует кузбасслак — каменноугольную смолу, что отсылает к промышленному контексту малой родины.

Кирилл Котешов, выпускник Академии им. Штиглица, чьи работы находятся в Русском музее, рассматривает идею глобализации как метафору библейским сюжетам, используя стилистику, по своим формальным признакам отсылающую к эстетике Высокого Возрождения. Препарируя эстетику классического изображение тела автор тем самым исследует мотив, который в чем-то напоминает момент последних скульптур Микеланджело из серии "Рабы" - это закрученные в спирали тела: где-то неоконченные -почти не высеченные из камня. В них можно заметить узнаваемый модернисткий жест - тело есть и его нет и оно становится своего рода рефреном и продолжением классической истории о человеке, его духе и борьбе. Промежуток времени, участниками и наблюдателями которого мы являемся - время тектонических сдвигов концепций и парадигм, как в свое время эпоха Возрождения. Глобальные структуры поглощают идентичности, ведя к унификации - языков, образов, мировоззрений. Но можно ли избежать тотального уравнения?

Родился в 1983 году.

Художник из Кемерово, выпускник академии им. Штиглица. Создает индустриальные пейзажи, трансформированные в соответствии с особой философией автора в футуристичные образы города. Использует кузбасслак — каменноугольную смолу, что отсылает к промышленному контексту малой родины.

Образование:

  • 2004 – 2010 Санкт-Петербургская Государственная художественно-промышленная академия им. А.Л.Штиглица, кафедра монументально-декоративной живописи, мастерская проф. В.Г.Леканова.
  • 1999 – 2004 Кемеровское художественное училище, живописно-педагогическое отделение.

ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ И ПРОЕКТЫ

  • 2010 — “Столпотворение”, галерея Ателье № 2, Москва
  • 2010 — Vive la jeune Garde, Atelier du vent, Ренн
  • 2010 — “L'Exposition d'Ilya Gaponov & Kirill Koteshov”, Maison du ventes Leclere, Марсель
  • 2010 — “Summer snow”, Maison du Loir-et-Cher, Блуа
  • 2008 — “Три дня”, галерея Триумф, Москва
  • 2008 — “Последний снег”, галерея Глобус, Санкт-Петербург.
  • 2008 — “UNDER GROUND”, Манеж, Малый зал, Санкт-Петербург. 
  • 2007 — “Кузбасс параллельный”, галерея Триумф, Москва
  • 2007 — “Положение” музей СПбГХПА, Санкт-Петербург

ГРУППОВЫЕ ВЫСТАВКИ И ПРОЕКТЫ

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Cosmoscow, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2021 —Ответ 42“ в рамках международного женского форума, Ледовый дворец Кузбасс, г. Кемерово
  • 2020 — “Реализм: вчера и сегодня. Искусство и правда“, филиал Русского музея в Малаге. Испания , г. Малага
  • 2020 — “Художники и коллекционеры – Русскому музею.Дары.1898 – 2019. Избранное“ Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2019 — “КРАСОТА:ПЛЮС-МИНУС“,Центральный выставочный зал “ Манеж ”
  • 2018 — “Проект межрегионального взаимодействия в области современного искусства NEMOSKVA”
  • 2016 — “Ковчег”,  в рамках V международной биеннале молодого искусства,Москва
  • 2016 — “Changes”, Ural Vision Gallery, Будапешт
  • 2015 — “Россия. Реализм XXI век“,  Государственный Русский музей, корпус Бенуа, Санкт-Петербург
  • 2014 — “Новее нового“ в рамках Балтийского биеннале, Новый музей, Санкт-Петербург 
  • 2014 — “Строгость и красота”,Ural Vision Gallery, Екатеринбург
  • 2014 — “Другая столица”,Музей Москвы, Москва
  • 2014 — “Актуальный рисунок”, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2014 — “Ватерлиния“ инсталляция, в рамках параллельной программы биеннале «Манифеста10», Rizzordi art foundation, Санкт-Петербург
  • 2013 — ICONS. Креативное пространство Ткачи. Санкт-Петербург, Россия
  • 2011 — “Врата и двери”, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2010 — ART Moscow, галерея Триумф, Москва
  • 2010 — “Vive la jeune Garde”, Atelier du vent, Ренн
  • 2010 — Summer Snow. Maison du Loir et Cher. Блуа, Франция
  • 2010 — “Герой нашего времени”, Московская международная Биеннале “Стой! Кто идет?”
  • 2010 — “Футурология”, Центр современной культуры “Гараж”, Москва
  • 2009 — Kandinsky Prize Exhibition. Louise Blouin Foundation. Лондон
  • 2009 — ART Moscow, галерея Триумф, Москва
  • 2009 — VIII Красноярская музейная биеннале, Красноярск
  • 2009 — Фестиваль современного искусства ART Завод, Екатеринбург (ГЦСИ)
  • 2009 — “Топология счастья”, Историк архитектурный музей Царицыно, Москва
  • 2009 — “Русская красота”, ГЦСИ, Москва
  • 2009 — Europe Art Fair 2009, Женева, Швейцария
  • 2009 — Art Basel Selection, Базель, Швейцария
  • 2008 — “Death.net”, Художественная галерея «Виктория», Самара
  • 2008 — Галерея “White Space”, Лондон
  • 2008 — Фестиваль современного искусства ART Завод, Екатеринбург (ГЦСИ)
  • 2008 — ART Moscow, галерея Триумф, Москва
  • 2008 — “Переучет” Манеж, Малый зал, Санкт-Петербург
  • 2008 — “Память полей”, лофт-проект “Этажи”, Санкт-Петербург
  • 2008 — Фестиваль современного искусства “Снегарры”, Кемерово
  • 2007 — “Самый-самый новый”, галерея Ателье №2, центр современного искусства Винзавод, Москва.
  • 2006 — Фестиваль современного искусства “Арт – статус”, Кемерово
  • 2006 — Первая биеннале современного искусства, Санкт-Петербург
  • 2005 — Выставка конкурсных работ “Щелкунчик”, Выставочный зал Государственного театра оперы и балета Санкт-Петербургской Консерватории имени Н.А.Римского-Корсакова 
  • 2003 — Работа года, Кемеровский союз художников, Кемерово 

О ПРОЕКТЕ

Замысел работы отражает недоверие современного художника к должной степени величия окружающего его пространства. Желание “великого” неизбежно приводит к стихии монументального искусства, организованной по классическим законам. Идея реализуется с использованием сюжета о наиболее дерзновенном творческом событии в предполагаемой истории. Вавилонская башня, не достоверные каменные ступени древнего храма, а ее ментальная конструкция, проникла в структуру памяти и языка как многомерный символ. Творческий акт возведения башни можно расценивать как чистое желание величия. Трансформация желания в действие порождает архитектурное великолепие, позволяющее человеку упорядочить природу по правилам опор и перекрытий. Творение башни (столпа) есть технологическое возвеличивание человеческой цивилизации, оно продолжается по сей день. Народы, институты, культуры и субкультуры, явные и тайные общества равноценны как элементы структуры, изъятие одного из них провоцирует неустойчивость пазла. Персонификация общественных реалий оборачивается метафорой строительного процесса, где каждый персонаж становится архитектурным блоком. Становится ясно, что нагроможденные кирпичи, самостоятельно встающие на место, могут и не знать о существовании Архитектора. А между тем, Архитектор есть. В его роли на миг предстает художник, творящий виртуальное зодчество. Масштаб и риск этого начинания осознанно высок. С энтузиазмом начатая башня превратилась в замороженное за недостатком средств строительство; творение грандиозной пользы рискует превратиться в бесцельное столпотворение толпы. И потому, как напоминание о великом крахе великих идей, постройку неотступно сопровождает дух титанических фресок Возрождения.

Рассматривая идею глобализации как метафору библейским сюжетам, автор используя стилистику, по своим формальным признакам отсылающую к эстетике Высокого Возрождения, выстраивает острую композиционную структуру. Тело в данной работе сливается одно с другим. Тело становится одновременно живой материей неодушевленным предметом- фрагментом, пазлом, деталью механизма, который простирается за пространство холста.

Препарируя эстетику классического изображение тела автор тем самым исследует мотив, который в чем-то напоминает момент последних скульптур Микеланджело из серии "Рабы" - это закрученные в спирали тела -где-то неоконченные -почти не высеченные из камня. В них можно заметить такой модернисткий жест - тело и есть и его нет. Так же и тело в "Corpus II" становится своего рода рефреном и продолжением классической истории о человеке, его духе и борьбе.

Промежуток времени, участниками и наблюдателями которого мы являемся - время тектонических сдвигов концепций и парадигм, как в свое время эпоха возрождения. Глобальные структуры поглощают идентичности, ведя к унификации - языков, образов, мировоззрений. Но можно ли избежать тотального уравнения? может ли возникнуть компромисс между идентичностью и глобальным? могут ли остаться народы? 

Смешение и уравнение вроде бы неизбежно, но полифония всегда глубже и сложнее. Парадокс глобализации- в осознании своей идентичности.Башня не может быть достроена. Общее все равно распадется на частное. 

Выставка Актуальный рисунок, 2014 год, Мраморный дворец, Русский музей

Главная цель выставки - показать специфику функционирования рисунка в современном российском искусстве. Основной акцент сделан на произведениях 1990 - 2000-х годов, однако включен и более ранний материал, связанный, большей частью, с концептуализмом. Экспозиция демонстрирует различные способы актуализации рисунка и рисовальной техники.

«Древо Жизни — сложный образ, который существует в различных культурах и является одним из монументальных символов жизни, планеты и всего живого. Кирилл Котешов переосмысляет этот образ в виде большой живописной инсталляции, окутывающей собой все пространство и полностью поглощающей наше зрительное восприятие. Монументальная живописная инсталляция, которая создавалась в Русском музее для выставки «Актуальный рисунок», действительно соединяет в себе монументальную живопись, которая практически переходит в роспись стены. Рисунок выполнен настолько качественно, что создает ощущение работы старых мастеров, тем не менее, и сама тема Древа жизни и ее воплощение Кириллом Котешовым остаются актуальными сегодня.

В работе Кирилла Котешова древо образовано сплетающимися фигурами людей, тела соприкасаются и соединяются друг с другом, создавая ощущение кроны дерева, монолитной массы, движущейся вверх и объединяющей все сущее в единую связь. Тела лишены лиц, пола, индивидуальных признаков, но они идеальны с точки зрения физики, идеальны и одинаковы. Фигуры поддерживают друг друга, заставляют изгибаться, двигаться, принимать определенные позы — но все вместе они образуют единую цепь бытия, жизнь, обретающую форму, массу, которая кажется несокрушимой.»



Работы


SoldCORPUS
Котешов Кирилл

CORPUS, 2016

Холст, битумный лак
200 х 200 см
CORPUS
Котешов Кирилл

CORPUS, 2016

Холст, битумный лак
200 х 200 см
CORPUS
Котешов Кирилл

CORPUS, 2016

Холст, битумный лак
200 х 200 см
CORPUS
Котешов Кирилл

CORPUS, 2016

Холст, битумный лак
200 х 200 см

Кривошеин Артур

Родился в 1994 году в городе Уфа. Основное направление в работе – абстракционизм. Живет и работает в Москве и Париже. Работы находятся в частных собраниях.

Родился в 1994 году в городе Уфа.

Выпускник Московского Государственного Технического Университета им. Н.Э. Баумана и Школы современного искусства «Свободные мастерские», ММОМА. 

Живет и работает в Москве и Париже. Работы находятся в частных собраниях.

ОБРАЗОВАНИЕ:

2021-2022 — Школа современного искусства «Свободные мастерские», ММОМА

2012-2018 — Московский Государственный Технический Университет им.Баумана

"В моих работах абстракция — это способ познать и зафиксировать процесс мышления. Чаще всего мои картины начинаются от единичной отправной точки на холсте, а завершаются многослойной массой элементов. Случайные детали, возникшие без раздумий, спонтанно, подобно тому, как наши мысли накладываются и переплетаются между собой.

В этой связи, картина для меня является полем для фиксации человеческого переживания, жизненного выбора, внутреннего конфликта или согласия. Данные чувства не имеют форму в материальном мире вещей, однако в моих работах они способны приобрести собственный образ. Никто не знает, как выглядит человеческий процесс принятия решений, эмоций и событий,  ведь у каждого он свой. Поэтому для зрителя именно абстракция, а точнее, отвлечение от привычных форм, дает свободу восприятию и воображению.

Таким образом, окончательный исход той или иной работы изначально никогда мне неизвестен, так же, как и названия моих картин, которые являются максимально спонтанными. Для меня это не является импровизацией, скорее для меня это такой же мыслительный процесс, принятие решения и выбор, который человек обречен совершать бесконечно». 

Артур Кривошеин, художник

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023Продавец цветных ракушек, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Blazar, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — «Les primevères», Microcredit, Париж
  • 2023 — «Сортировочный центр», музей ZAMAN, Уфа
  • 2022 —  blazar young art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 —  «Будущее уже», MMоMA (Гоголевский, д.10), Москва
  • 2022 —  a-s-t-r-a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», a—s—t—r—a gallery, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a—s—t—r—a, Винзавод, Москва;
  • 2021 — персональная выставка «Google page 7», 2021, Москва;
  • 2021 — «Смотрящий за землянами», галерея ЗДЕСЬ на Таганке; 
  • 2021 —  выставка «Поля»; BLAZAR ART; 
  • 2020 — персональная выставка, IMPULSE, 2020, Москва;
  • 2020 — Opening/Collection/Plans, New sincerity gallery, 2020, Москва.

 

ТЕКСТ К ВЫСТАВКЕ «SELLER OF COLORED SHELLS»

философа и теоретика искусства БОРИСА КЛЮШНИКОВА

«В своей персональной выставке «Продавец цветных ракушек» Артур Кривошеин обращается к визуализации периода детства. Что каждый день окружает нас в детстве? Какие книги, фильмы, игры? Бесконечные исследования пространства, прогулки, разговоры и маленькие открытия и представления. Как понять среди всего этого многообразия то, что по-настоящему повлияло на тебя? Перебирая свои воспоминания, так же как разбирая ракушки на пляже, мы находим смешные, красивые, разноцветные, уродливые, любых форм и размеров. Которую ты заберешь на память?

Кривошеин связывает возникновение картин с опытом своей семьи, так например, разговоры об искусстве с дедушкой, который также был художником, пронизывают детские воспоминания. В детстве в доме висела репродукция Ван Гога, которую художник принимал за работу дедушки. Этот случай может многое прояснить в отношении художника к живописи. Как отмечает искусствовед и философ Борис Клюшников, Ван Гог в XX-ом веке занимает место мифа о живописце, который, работая с цветом и размышляя о его воздействии, был маргинальным художником и началом модернистского канона. Кривошеин, в свою очередь, сталкивает модернистские приемы, которые переплетают историю искусства и «семейное древо». Эти случаи указывают на то, что художник коллажирует не просто элементы (мазки, пятна и осколки образов), а связи этих элементов с семейным субъективным опытом. По мнению художника на это способно только абстрактное искусство - оно может по другому расчертить и картографировать этот опыт. Абстракция, понятая таким образом, прослеживается в названии многих работ - «За партой с весной», «Блюз выдуманных животных», «Тигровый привкус»: они поэтичны и сами будто режут и склеивают иначе части языка, что похоже на игру с языком ребенка: он учит язык, играя с самими фразами, пробуя их на вкус.

В случае Ван Гога, заслуга художника состоит в использовании диссонантных цветов, согласно теории Гете. Артур Кривошеин, напротив, работает с цветом гармонично. Картина должна быть готова, когда она обретает "единство" с самим художником.

Как говорит сам Кривошеин: «Мне нравится заново и заново «начинать отношения» со своей картиной. Я всегда работаю без эскиза, и первоначальный слой картины это чистый абсурд, это может быть заигрывание с одним из шедевров экспрессионистов начала 20 века, чей-то портрет, натюрморт и многое другое. После чего я принимаюсь искажать этот первоначальный образ до неузнаваемости, не зная каким будет итог, но при этом не теряя контакта/диалог с картиной. На последнем этапе между мной и холстом должна царить полная гармония, в произведении должны быть отражены и видны все мои мысли и ходы от одного элемента к другому».

Это единство, нужда в нем, связано с гармонией, которая должна установится в первую очередь с ощущением детства. Это построение опыта прошлого, работа с ним. Поэтому в живописи Артура Кривошеина появляются мотивы ярких мультиков, природы, игр, которые превращены в абстрактные мерцающие формы. Для этого художник сталкивает традиции абстрактного искусства с приемами нео-дада. Повседневные объекты: старые книги, бумага, газеты попадают на холст и намечают плоскость картины. Полное заполнение холста, где модернисткая решетка должна быть монотонна и серийна, у Кривошеина обретает крайнюю степень различия подобно живописным взрывам. Эти элементы будто сталкивают кубистические принципы с принципами раннего абстрактного экспрессионизма.

Таким образом, данный опыт детства не описывается, по мнению художника, никак иначе - его можно ухватить только абстрактными средствами. Исследуя воспоминания, которые так часто носят также абстрактный характер, и особенно ярки на цвета именно в связи с детством, Кривошеин создает и как бы приглашает зрителя разделить этот опыт, «поразбирать» свою коллекцию ракушек, найти свой цвет и свои моменты».

 



Работы


Любовь медленного с быстрым
450 000 ₽
SoldПятиминутная женщина
Кривошеин Артур

Пятиминутная женщина, 2023

Холст, смешанная техника
151 х 136 см
Сухая радость
Кривошеин Артур

Сухая радость, 2023

Картон, смешанная техника
34 x 24 cm
35 000 ₽

Морозов Алексей

Скульптор, архитектор, член Российской академии художеств.

Алексей Морозов, скульптор, живописец, член президиума Российской академии художеств, чьи работы продаются на аукционах Sotheby's, Christie's и Phillips, находятся в частных и музейных коллекциях, таких как Государственный Русский музей, Музей Новой Академии художеств Санкт-Петербурга и др.

На протяжении всей творческой карьеры Морозов последовательно создает огромный арт-универсум, переосмысливающий греко-римское классическое наследие в контексте современности. По мнению художника, возможности пластического языка греческой и римской скульптуры, столько веков продолжавшего питать европейскую цивилизацию, далеко не исчерпаны и по-прежнему могут служить основой для создания произведений с актуальным авторским посланием. Морозов использует классическую иконографию, но снимает ее исторические смыслы и коннотации, придавая идеальным формам провокационное содержание современности. Скульптуры произведены в Пьетрасанте, Италия, с использованием технологий, основанных на древней традиции ручного мастерства. Среди калейдоскопа смены этических, моральных и эстетических ориентиров сегодняшнего мира классическая культура и иконография оказывается важной точкой отсчета.

Родился в 1974 г.

Скульптор, архитектор, член Российской академии художеств.

В 1999 г. окончил факультет скульптуры (мастерская академика Л. Кербеля) МГАХИ им. Сурикова.
С 2014 г. член Президиума РАХ (Российской академии художеств).

Алексей Морозов начал творческую карьеру в начале 1990-х годов, приняв участие во II Биеннале современного искусства в Санкт-Петербурге, где стал обладателем одного из Гран-при выставки. Окончив институт, с 1998 года в течение года жил в Провансе, где изучал французскую скульптуру XVI-XVIII веков и практиковался в работе с терракотой. 

После возвращения в Россию Морозов долгое время сотрудничал с основателем Новой академии изящных искусств, являлся частником творческого движения «Новых серьёзных», консервативного крыла неоакадемизма. Проводил персональные выставки в Санкт-Петербурге, Москве и Италии, принимал участие в международных художественных ярмарках.

В декабре 2011 - январе 2012 года в Мраморном дворце Русского музея прошла большая персональная выставка Морозова, озаглавленная Antologia, где художник представил около 60 работ, созданных за предшествовавшие 10 лет. 

В июле 2013 года Алексей Морозов назначен директором Московского государственного академического художественного училища памяти 1905 года. Под его руководством начались реконструкция и обновления училища, открыто новое отделение скульптуры, создана кафедра анатомии для подготовки специалистов по пластической анатомии, введены программы итальянских практик для студентов. 

Живет и работает в Лукке (Италия).

Работы Алексея Морозова продаются на аукционах Sotheby's, Christie's и Phillips, находятся в частных и музейных коллекциях, таких как Государственный Русский музей, Музей Новой Академии художеств Санкт-Петербурга и др.

"Алексей Морозов является автором проекта PONTIFEX_MAXIMVS, показанного на 6-ой Московской биеннале современного искусства в 2015 году. Идея проекта отсылает к ватиканским «Станцам» Рафаэля, где мастер ввел изображение оживающих кариатид, а фрески каждой из комнат были объединены общим сюжетом или персонажем. Одушевленная скульптура является одной из фундаментальных тем Алексея Морозова. На протяжении всей творческой карьеры Морозов последовательно создает огромный арт-универсум, переосмысливающий греко-римское классическое наследие в контексте современности. По мнению художника, возможности пластического языка греческой и римской скульптуры, столько веков продолжавшего питать европейскую цивилизацию, далеко не исчерпаны и по-прежнему могут служить основой для создания произведений с остро-актуальным авторским посланием. Название PONTIFEX_MAXIMVS — то есть «великой мостостроитель» (от латинского термина pons facere, осмысленного в эзотерических практиках римлян) вербализует идею восстановления связей между античностью и современностью, Востоком и Западом.

Морозов использует классическую иконографию, но снимает ее исторические смыслы и коннотации, придавая идеальным формам провокационное содержание современности. Это отражено и в выборе материалов: «классических» — бронзы и мрамора, а также бетона и карбона. Бронзовые скульптуры произведены в Пьетрасанте, Италия, с использованием технологий, основанных на древней традиции ручного мастерства. Среди калейдоскопа смены этических, моральных и эстетических ориентиров сегодняшнего мира классическая культура и иконография оказывается важной точкой отсчета. В своей скульптуре, графике и видео Морозов используют упорядоченный строй античного искусства, чтобы анализировать и преодолевать хаос мира. Его нарратив перенесен в пост-апокалиптическое, пустынное, милитаристское пространство, но не предлагает однозначных трактовок и интерпретаций." ММОМА

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВОЧНЫЕ ПРОЕКТЫ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Cosmoscow, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — «Сады искусств. Метаморфозы», Музей-усадьба “Архангельское”, Москва
  • 2022 — Art-Rizzoma, Катанзаро, Италия
  • 2018 — La rondine, Лукка, Италия
  • 2018 — Passo sospeso, Лукка, Италия
  • 2017 — «PONTIFEX_MAXIMVS/ le stanze", Арт-проект Алексея Морозова. ММОМА, Москва
  • 2016 — «PONTIFEX_MAXIMVS", Арт-проект Алексея Морозова. Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Неаполь
  • 2015 — »АНТРОПОМАХИЯ", арт-проект Алексея Морозова. Istanbul Contemporary, Стамбул
  • 2015 — «PONTIFEX_MAXIMVS_preview", Арт-проект Алексея Морозова. 6-я Московская биеннале современного искусства. ВДНХ, Москва
  • 2015 — «АНТРОПОМАХИЯ", Арт-проект Алексея Морозова. Cosmoscow, Москва
  • 2015 — «Cantata_iTunes", Арт-проект Алексея Морозова. Гомофарбер, CAV, Пьетрасанта, Италия
  • 2014 — «MOROSOV_MMXIV", галерея "Наследие", Москва
  • 2013 — «ART-STAGE" 11.12 Gallery, Сингапур 
  • 2013 — «КАРИАТИДА СУПЕРСОНИКА" M&O, Париж 
  • 2013 — «КАРИАТИДА СУПЕРСОНИКА" Площадь Бра, Верона
  • 2012 — «СЕРЕНИТАС" Арт Москва. Скульптура Алексея Морозова из частных коллекций, Москва
  • 2011-2012 — «АНТОЛОГИЯ" Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2010 — «БАЗИЛИКА" Искусство Москва. Галерея "Триумф", Москва
  • 2009 — «PRAETORIA X" Искусство Москва. Галерея "Триумф", Москва
  • 2007 — «MOROZOV MANUFAKTURING" Московская всемирная ярмарка изобразительного искусства. Манеж, Москва
  • 2006 — «ЭРИХО" Московская всемирная художественная ярмарка. Манеж, Москва
  • 2004 — «КОНСТАНТИНОПОЛИС" ARTPLAY, Москва
  • 2003 — «Классика крафт-деко" Галерея Д137, Санкт-Петербург
  • 2003 — «Крафт Деко Академик" Новая Академия, Санкт-Петербург
  • 2002 — «MAGOS», Виченца, Италия
  • 2000 — «MITRA SUPER" совместно с Новой Академией. Манеж, Москва
  • 1992 — «II Биеннале современного искусства" Охтинский выставочный зал Союза художников, Санкт-Петербург

«...Работы Алексея Морозова - это своего рода мост между традиционными (и парадоксально привлекательными) идеями скульптуры, гармоничными и прозрачным; и современными идеями скульптуры, которые являются концептуально-аналитическими и полемическими по своему характеру...» Александр Боровский, искусствовед, куратор, руководитель отдела современных тенденций, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург/Россия

"...Интегрируя его и направляя его переход к современной иконографии, не отступая от иератического характера исторического значения.Интегрируя его и направляя его переход к современной иконографии, не отступая от иератического характера исторического значения.
Бронза, как и другие «классические» материалы, облегчает этот тип экспериментов, иконографического «перехода» и интеграции между ручным трудом и технологическим вмешательством.
Морозов, как уже упоминалось, навязывает синкретическую стратегию, также применяемую к использованию материалов, сочетая «классические» средства массовой информации с технологическими материалами промышленного характера, о чем свидетельствуют выставленные работы...» Алессандро Романини, искусствовед, президент научного комитета Фонда Рагьянти Лукка/Италия

"...Алексей Морозов обращается к многочисленным и разнообразным традициям, соединяя лингвистические и иконографические источники - поддерживая баланс между сцеплением и иронией и инсинуируя смелыми и неожиданными "отвлечениями" - с интенциями, знаками и темами явно современного характера, одновременно заставляя нас задуматься о необходимости, неоднократно проявлявшейся на протяжении истории, избирать прошлые модели и выражать себя...". Паоло Джулерини, куратор, директор Неаполитанского национального археологического музея, Неаполь/ Италия)

О ПРОЕКТЕ APPROPRIATION (Апроприация). 

Цикл трех серий работ из проекта EXODUS:

1. METOPE- живопись.

2. HDV (heavy duty vehicle)- скульптура.

3. Nuovo Marmo (новый мрамор).               

Проект APPROPRIATION - это размышления художника о заимствовании путем метафизического замещения эстетических и этических категорий, происходящих в современном социуме. Прагматический “Modus Operandi” актуальной цивилизации не оставляет места для стилизации и рефлексии в культурном дискурсе. Законы глобального маркетинга и концепция устойчивого развития фундаментальным образом влияют на восприятие визуальных образов зрителем начала XXI века.         

Метопы дорического ордера - это ли не карточки «Polaroid»? Или желтая панель карьерного грузовика, исполненная в традициях эллинистической пластики? А мрамор каррарских карьеров мимикрирует под винил и силикон. Все это имеет неоспоримое право на существование в мире «максимы» прагматизма.



Работы


HDV_M(Heavy_Duty_Vehicle_Male)
Морозов Алексей

HDV_M(Heavy_Duty_Vehicle_Male), 2023

Fiberglass composite, concrete, steel, painting
405 х 455 х 200 мм
New_Marble_Red_Shape
Морозов Алексей

New_Marble_Red_Shape, 2023

Synthetic lithography - giclee printing, archival paper HAHNEMUHLE, DIBOND
85 х 85 см
New_Marble_Yellow_Shape
Морозов Алексей

New_Marble_Yellow_Shape, 2023

Synthetic lithography - giclee printing, archival paper HAHNEMUHLE, DIBOND
85 х 85 см
SoldMetope_I_PLRD
Морозов Алексей

Metope_I_PLRD, 2023

Холст, масло
40,5 х 40,5 см

Павлова Анна

Родилась в 1991 г.

После общеобразовательной школы с 2008 по 2014 г обучалась в МГХПА им Строганова по специальности художественная керамика. В 2011 году стала со-основателем и дизайнером бренда украшений Mineral Weather, в составе которого участвовала в международных выставках в Париже, Милане, Копенгагене и Барселоне.

Родилась в 1991 г.

Выпускница МГХПА им Строганова по специальности художественная керамика.

В 2011 году стала со-основателем и дизайнером бренда украшений Mineral Weather.

Принимала участие в международных выставках в Париже, Венеции, Милане, Копенгагене и Барселоне.

С 2016 года занимается керамической скульптурой.

«Все, что я делаю, является отражением того, что происходит вокруг меня, мой опыт выплескивается в предметы. Я взаимодействую с миром посредством пластических высказываний на уровне тактильно-сенсорного языка».

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ

  • 2023 — Cosmoscow, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — "Arty Advent", галерея Лизы Фетисовой, Париж
  • 2022 — "Разве белый цвет не является тем, что избавляет от темноты?", персональная выставка, lobby, Москва
  • 2022 — blazar young art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 — a—s—t—r—a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — «Délices et malices» Liza Fetissova Gallery, Париж
  • 2022 — «Invasion» /solo show/ Liza Fetissova Gallery, Париж
  • 2022 — «Homo Faber» Michelandgelo Foundation, Венеция
  • 2021 — «A Family Story» Liza Fetissova Gallery, Париж
  • 2021 — «Workspace: untitled» Azot Gallery, Cub, Москва
  • 2020 — «We know it’s going to happen but/» flat of director of Austrian cultural forum, Москва
  • 2019 —  «Analpha-bettes» /solo show/ Transatlantique gallery + Liza Fetissova Gallery, Париж
  • 2019 — «Chamber of secrets» library N67, Москва
  • 2019 — «Revelation» [fair] Grand Palais, Париж
  • 2019 — «Re_generation» Dety Marii, Москва
  • 2018 — «I feel warm and scared» Ovcharenko gallery, Москва
  • 2018 — «Baikonur now» Аrhiv space /NIIDAR, Москва
  • 2018 — «Artdacha of Riabuschinskii» exibition of the results of the residence, Вышний Волочек
  • 2018 — «End of sunset» , the roof of Setun area, Москва
  • 2018 — «Project Element. Earth» White room Foundation, Москва
  • 2018 — «Abrakadabra» 6 Moscow International Biennale for Young Art, Москва
  • 2017 — «Designed by a cyborg» OS.MOS / AWG Society, Москва

 



Работы


Ритон «Олень»
Павлова Анна

Ритон «Олень», 2023

Ceramic, bronze, fossilized shells, amethyst, pearls, glass
24 х 20 х 9 см
175 000 ₽
Ритон «Корова»
Павлова Анна

Ритон «Корова», 2023

Ceramic, bronze, fossilized shells, amethyst, pearls, glass
24 х 20 х 9 см
175 000 ₽
SoldРитон «Заяц»
Павлова Анна

Ритон «Заяц», 2023

Ceramic, bronze, quartz, coral, tourmaline, amethyst
24 х 17 х 10 см
Ритон «Лошадь»
Павлова Анна

Ритон «Лошадь», 2023

Ceramic, bronze, quartz, turquoise, calcite, coral, pearl, fianite
25 х 12 х 10 см
185 000 ₽
Купить в 1 клик
Настоящим подтверждаю, что я ознакомлен и согласен с условиями Публичной оферты и Политики конфиденциальности.