Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703»
16 - 19 июня 2022 г.
ЕГОР ОСТРОВ, ИГОРЬ ЛИТВИНОВ, ПАВЕЛ БУШУЕВ, АРТУР КРИВОШЕИН, ЮРИЙ САМОЙЛОВ
стенд С-1
Центральный выставочный зал «Манеж», Санкт-Петербург, Исаакиевская площадь, д. 1
с 11 до 21.00
ALTITUDE:28.34.35.52.60
На стенде a-s-t-r-a gallery будут представлены работы четырех художников - Егора Острова, Игоря Литвинова, Павла Бушуева и Юрия Самойлова.
Художники двух поколений, работают в отличных друг от друга техниках и направлениях, с разных сторон осмысляют роль художника в искусстве и ставят перед собой иногда противоположные задачи. Быть основоположником техноренессанса и восстанавливать в правах Троицу Платона? Формировать вторую или третью реальность через зеркало эмоций и рефлексий, помогающую сохранить свой уникальный мир? Следовать за мыслью и подниматься в познании и интерпретациях по герменевтическим кругам, слой за слоем архивируя современность? Или же проживать каждый день на пределе чувств, оголяясь до нервов для того, кто может никогда и не понять.
Ответов на эти вопросы нет. Есть разные пути и высоты. И каждый художник покорят всегда только свою вершину, оставляя за собой для вовлеченных координаты своего пути. Пути художника в искусстве.
Литвинов Игорь
Игорь Литвинов родился в 1962 году в Витебске, городе, который является одним из очагов классического авангарда, где жили и творили Шагал, Малевич, Лисицкий и другие представители этого направления. Это и определило творческий путь автора, который работает в стиле абстрактного экспрессионизма.
Игорь Литвинов родился в 1962 году в Витебске, городе, который является одним из очагов классического авангарда, где жили и творили Шагал, Малевич, Лисицкий и другие представители этого направления. Это и определило творческий путь автора, который работает в стиле абстрактного экспрессионизма.
С 1983 по 1988 год Литвинов учился на художественно-графическом факультете Витебского Государственного педагогического университета.
В конце 80-х гг начал посещать мастерскую Александра Соловьёва, старейшего абстракциониста Белоруссии. Отношения мастера и ученика со временем переросли в большую дружбу. Именно это общение заложило фундамент, на основе которого сформировался собственный стиль Игоря Литвинова.
С 1995 по 2017 год Игорь Литвинов прожил в Назарете (Израиль). В этот период художник много работал и выставлялся в разных странах: Испания, Швеция, США и т.д.
В 2005 году в музее MOra в Нью Джерси принял участие в выставке, посвященной Малевичу, где были представлены работы и самого Малевича, и многих нонконформистов из России.
Вместе с творческой деятельностью формируется его духовное мировоззрение. Многолетнее исследование феномена свободы личности, взаимоотношений личной и творческой свободы, взаимоотношений религии и современного искусства - всё это является основой картин художника.
С 2017 года Игорь Литвинов живет и работает в Москве, ведет активную творческую деятельность, выставляется на ведущих арт-пространствах.
Произведения находятся в коллекциях Музея русского искусства MoRA (Нью-Джерси, США), Башкирского государственного художественного музея им. М.И. Нестерова (Уфа, Россия), Витебского центра современного искусства (Витебск, Беларусь) а также в частных коллекция в России и зарубежом.
ИЗБРАННЫЕ ГРУППОВЫЕ И ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:
- 2022 — Existence of light, галерея a-s-t-r-a, ЦС Винзавод, Москва
- 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», a-s-t-r-a gallery, Манеж, Санкт-Петербург
- 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a-s-t-r-a, Винзавод, Москва;
- 2022 — Программа Арт Москва в рамках 48 Российского атикварного салона, a-s-t-r-a gallery. Гостиный двор, Москва
- 2021 — ARTSUMMER, Третьяковская галерея, Москва, Россия
- 2020 — Персональная выставка «Персональный экспрессионизм», Антикварный центр, Москва
- 2020 — НОВАЯ РЕАЛНОСТЬ. К 100-летию УНОВИС, Третьяковская галерея, Москва
- 2019 — 5-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
- 2019 — 4e rencontre arts plastiques de Mesnil-Église, Бельгия
- 2019 — «Литвинов и друзья», Гостиный двор, Москва
- 2019 — 4-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
- 2018 — 3-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
- 2018 — 2-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
- 2018 — «Брутальная нежность» персональная выставка, ЦДХ, Москва
- 2017 — «Четыре истории», ЦДХ, Москва
- 2017 — «Свободное пространство», ЦДХ, Москва
- 2017 — 1-я ANTIBIENNALE, ЦДХ, Москва
- 2017 — «АРТ-УФА», Уфа
- 2016 — «Арт-пространство», Витебск, Беларусь
- 2015 — Центр современного искусства, Витебск, Беларусь
- 2012 — Галерея «Mika», Тель-Авив, Израиль
- 2010 — Галерея «En-Hod», Хайфа, Израиль
- 2009 — Музей «Царскосельская коллекция», Санкт-Петербург
- 2009 — Галерея «Волга», Москва
- 2006 — Teatron, Хайфа, Израиль
- 2005 — Музей русского искусства MoRA, Нью-Джерси, США
- 2004 — Галерея «Agora», Нью-Йорк, США
- 2003 — Галерея «Bunker», Стокгольм, Швеция
- 2002 — Галерея «Pyramida» Хайфа, Израиль
- 2001 — Галерея «Castro», Хайфа, Израиль
- 2000 — Галерея «Angel», Тель-Авив, Израиль
- 1998 — Галерея «Zafon», Хайфа, Израиль
- 1998 — «Арт-Экспо», Барселона, Испания
- 1997 — Галерея «En-Hod», Хайфа, Израиль
- 1993 — Центр современного искусства, Витебск, Беларусь
- 1991 — Центр Марка Шагала, Витебск, Беларусь
"Творчество Игоря Литвинова находится на острие проблемы преодоления личностной эмоциональной стихии ради выхода в открытый космос абсолютной живописной свободы. Метод, выбранный художником, призван не просто показать заведомую ущербность «реальности», а противопоставить абсурд происходящего в материальном мире трансцендентному хаосу, в котором царствует абсолютная боль. Изломанные, искаженные, заведомое окарикатуренные человеческие персонажи поданы в сочетании с трагичным, беспокойно-экспрессивным, предельно напряженным абстрактным фоном.
Однако такое, казалось бы, естественное стилистическое единство на холстах Литвинова на глазах превращается в загадочный контрапункт – полифонический аккорд, парадоксально соединяющий безжалостность и сострадание, бездонность инфернальных пространств и спасительную волю к свету, безысходность и надежду, ад и чистилище. Фиксируя драму (или комедию – но в дантовском толковании) единства и противостояния всего всему, оптика художника тем не менее обладает даром проникать в абстрактно-конкретную природу пространства-времени – в том числе через апелляцию к древнейшим культурным кодам и мифологемам. Игорь Литвинов активно использует метафизическую пластику архаики как способ самоочищения от диктата линейной логики и здравого смысла во имя достижения священного экстаза ясновидения, позволяющего провести зрителя по изнаночным лабиринтам инобытия, чтобы подготовить к встрече с предстоящими катаклизмами.
Игорь Литвинов считает искусство, а в особенности таинство создания картин – бесконечной мистерией, не имеющей начала и конца, однажды и навсегда попав в которую, художник обрывает любые контакты с чем бы то ни было и целиком погружается в магический ритуал – как иррациональную стихию непредсказуемого. Череда рожденных его кистью и темпераментом, на первый взгляд, диких, варварских образов оформляется в некое живописное действо – сродни шаманским взлётам и погружениям в параллельные миры. В результате тревожные, жалящие, стремительно-агрессивные, разящие наповал мазки превращаются в эпическую симфонию вулканической магмы – идеального строительного материала последних времен.
Каждый холст Игоря Литвинова – это очередной радикальный эксперимент, прыжок в бездну, безумство храбреца-профессионала, приносящего в жертву собственную духовно-телесную экзистенцию, и – как апофеоз – яростное препарирование реальности, призванное обозначить и утвердить художественную волю автора, по-своему манифестирующего вечную актуальность экспрессионизма для дня сегодняшнего и завтрашнего." Игорь Дудинский, арт критик
Остров Егор
Егор Остров – художник в третьем поколении, потомок академиков старой школы и бунтарей шестидесятников, вдумчиво отстаивающий творческие заветы сохранения идеалов красоты и европейской традиции в искусстве Новой Академии Изящных Искусств, основанной Тимуром Новиковым в начале 1990-х годах в Санкт-Петербурге.
Родился в 1970 г. в Ленинграде.
Егор Остров – художник в третьем поколении, потомок академиков старой школы и бунтарей шестидесятников, вдумчиво отстаивающий творческие заветы сохранения идеалов красоты и европейской традиции в искусстве Новой Академии Изящных Искусств, основанной Тимуром Новиковым в начале 1990-х годах в Санкт-Петербурге.
Воплощая в жизнь не только образный ряд, но и основополагающие принципы неоакадемизма, отдавая дань уважения величайшим образцам классического искусства, Егор Остров в своих работах предлагает оригинальные визуальные прочтения знакомых композиций, «переизобретая» их для современного зрителя, используя при этом актуальные достижения и технические возможности современной науки.
Произведения Егора Острова с трудом поддаются классификации. Его творческий метод своеобразен и уникален. Он требует не просто знакомства с известными памятниками мировой живописи и скульптуры, но и глубокого проникновения в структуру и внутренний ритм каждого произведения. Для этого необходимо обладать умением вникнуть в самую суть образа, развить и подчеркнуть именно те качества, которые делают его шедевром, будь то осязательность Микеланджело, спиритуализм Эль Греко, барочная экспрессия Бернини или изящество Энгра.
В основе уникальной авторской техники Егора Острова лежит линейный растр, выведенный художником на принципиально новый уровень с помощью компьютерных технологий. Изображение пишется на холсте с помощью живописных линий различной толщины и оттенка, которые создают особый оптический эффект, раскрывая физику работы глаза и зрительного восприятия. С одной стороны, это принцип гравюры - расположенные в строгой последовательности полосы разнятся толщиной, четкостью и изгибом, имеют свое начало и конец. Однако, если говорить о гравюре как классическом средстве воспроизведения, где мастер делал иногда виртуозную, но все же собственную копию изображения, то у Острова, проходя через призму объектива и существуя в мире оптической иллюзии, оригинал остается оригиналом.
Такой перфекционизм позволяет без утрат соединить прошлое и будущее, выражая его в настоящем. Образный мир Егора Острова не рассчитан на моментальный эстетический эффект, его нельзя осознать с помощью мимолетного взгляда. По мнению Острова, современный мир перенасыщен образами, и задача художника – вдумчиво разобраться с историей визуальных знаний, накопившихся за несколько столетий, осознать их внутренний механизм и бесконечный потенциал.
Таким образом каждая работа Острова превращается в глубокий интеллектуальный и живописный диалог, своеобразную дань произведениям Старых мастеров. Образы движутся и вибрируют, гипнотизирующий растр снова и снова воссоздает их, меняет их вид и настрой в зависимости от расстояния и точки зрения.
Искусство Егора Острова возвращает представление об идеальном в современную жизнь, полную технологий, расчетов и всемирных сетей. Работы художника – это воплощение математической красоты, совмещающей в себе абсолютную точность и выверенность линий, чистоту форм и идеальность образа – новая веха в неоакадемизме, чье сосуществование в век главенства концептуального искусства одновременно и архаизирует, и делает его абсолютно новым явлением.
ИЗБРАННЫЕ ГРУППОВЫЕ И ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:
- 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», a-s-t-r-a gallery, Манеж, Санкт-Петербург
- 2022 — Программа Арт Москва в рамках 48 Российского атикварного салона, a-s-t-r-a gallery. Гостиный двор, Москва
- 2021 — Государственный Эрмитаж "Линия Рафаэля. 1520–2020"
- 2021 — Программа Арт Москва в рамках 46 Российского атикварного салона, a-s-t-r-a gallery. Гостиный двор, Москва
- 2020 — solo show a-s-t-r-a gallery, Cube, Москва
- 2018 — Канон, Orekhov gallery, Москва
- 2016 — Книга Понтормо (совместно с Аркадием Ипполитовым)
- 2015 — Абсолютная красота — Петербургский Неоакадемизм. Музей Людвига, Будапешт
- 2014 — Избранное. Галерея Transatlantique
- 2012 — In the Flow (В Потоке). ArtMost Gallery, London
- 2011-2012 — Новая Академия. Фонд Екатерина, Москва
- 2011 — Несовременное Искусство(совместно с Еленой Уланцевой). Замок Кнопа, Москва
- 2008 — Теория Струн. Государственная Академия Изящных Искусств. Москва
- 2007 — Образ и знак. Галерея D137, Санкт-Петербург
- 2007 — Новые позитивные процессы. Государственный Центр Фотографии, Санкт-Петербург
- 2007 — Знак и Образ. Галерея Attelier No.2, Москва
- 2004 — Глубина Резкости: Егор Остров и Арно Брекер. D137 Gallery, Санкт-Петербург
- 2003 — В сторону Снежной Королевы (совместно с Беляевым-Гинтовтом). Новая Академия Изящных Искусств, Санкт-Петербург
- 2003 — Академисты. Look Art Gallery, London
- 2001-2002 — Красота и эротизм. Gallery Gasunie, Groningen
- 2000 — Наследники Спарты. Synebruchoff Art Museum, Helsinki
- 1998 — Семь линий на дюйм. Aidan Gallery, Москва
- 1998 — Новые позитивные процессы. State Russian Museum/State Hermitage, Санкт-Петербург
- 1997 — Кабинет. Stedelijk Museum, Amsterdam
- 1996 — Метафоры отрешения. Актуальное искусство Санкт Петербурга. Karlsruhe.
- 1996 — Егор Остров. Картины. Galerie Rotloff, Karlsruhe
- 1994-1995 — Самоидентификация: Позиции в искусстве Петербурга. Музеи в городах Киль, Берлин,Осло, Сопот, Копенгаген, Санкт Петербург.
- 1994 — Ренесанс и Резистанс. Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург
- 1994 — Ахилл. Новая Академия Изящных Искусств, Санкт-Петербург
CТРУНЫ ОСТРОВА
В стиле Егора Острова – сочетание двух неиссякаемых источников элегантности. Это гламур хайтека и аристократизм европейской живописи от Ренессанса до Нового времени. В дизайнерском блеске на поверхностях его картин-отражателей проступает неземное величие образов Пьеро де ла Франческо или Эль Греко. «Мадонна Мизерикордия» и «Снятие с креста» сияют нездешней синевой на покрытых фосфорисцирующими красителями холстах, как картины мироздания, абстрактно блещущие на крыльях авиалайнера.
Перфекционизм Острова как художника, умеющего без утрат соединить прошлое и будущее на настоящем холсте – это и его личный стиль, и проявление той исторической среды, в которой он стал денди и «новым серьезным». Конечно же, в денди на рубеже ленинградских 1980-90-х вышли далеко не все, а только те, кто услышал внутри себя ясный ритм свободного от советской власти, пустынного, как берег, и предоставленного самому себе совершенного города Петербурга. Этот ритм задан пропорциями архитектуры, воплощен в поэтическом слове и в антропологии города (от эрмитажных картин до телесной стати группы «Кино»). И он транслирует одну старую философскую истину: прекрасное – синоним живого, потому что безобразное – это то, что лишено ясного образа и, значит, существует как ущерб, является в мир нежитью. Следовательно, чем совершеннее образ, тем актуальнее, то есть действеннее и сильнее реальность, тогда как несовершенство продуцирует пустоты, дыры-поглотители энергии и пространства.
Идею прекрасного философия в одинаковой мере разделяет и с искусством, и с точными науками. В математике – основе новейших технологий – самым эффективным считается именно красивое и элегантное решение задачи. Неудивительно, что чем острее интеллектуальный механизм науки, тем более совершенные пластически теории мироздания он формирует. Остров увлечен последней из этих теорий – теорией струн, представляющей элементарные частицы Вселенной как колеблющиеся, замкнутые или открытые струны. Теория струн позволяет визуально выразить «сетевые» связи и взаимозависимость образов мира. Она убеждает в том, что хаос – лишь одно из состояний самоструктурирующегося творческого космоса.
В глазах Острова всегда стояла такая линейно структурированная картина мира – картина европейской гравюры, уловившей сетью штрихов творческие миры великих художников, примерно так же, как в детстве микрофрагменты этих миров фиксировал цветной растр почтовых марок. С течением времени Остров стал не просто видеть графичный «нервный» каркас образа, но и управлять его динамикой, извлекать из растровых линий созвучия или диссонансы, акцентирующие смысл композиций. «Струнная группа» Острова сочетает древний голос аполлоновой кифары с новейшим электронным звучанием, как и новейшая физическая теория струн вновь напоминает о прозрениях средневековых мистиков, которые, подобно Гонорию Августодунскому представляли Вселенную полнозвучной, гармонично созданной цитрой. Текст Екатерина Андреева, Государственный Русский Музей
ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:
Бушуев Павел
В 2014 году окончил СПбГАИ им. И.И. Репина (графический факультет, мастерская Пахомова Андрея Алексеевича). С 2014 по 2017 гг. стажировался в творческих мастерских РАХ в Санкт-Петербурге. Работы художника находятся в коллекциях Музея Фаберже, BREUS Foudation, частной коллекции главы Дома Guerlain и в других коллекциях в России и зарубежом.
Родился в 1987 году в городе Копейске Челябинской области.
В 2007 г. окончил Челябинское художественное училище, в 2014 г. СПбГАИ им. И.И. Репина (графический факультет, мастерская Пахомова Андрея Алексеевича). С 2014 по 2017 гг. стажировался в творческих мастерских РАХ в Санкт-Петербурге.
В период обучения участвовал в выставках и конкурсах в России, Корее и Китае, сотрудничал с «ГОЗНАК» (Монетный двор).
Работы художника находятся в собраниях Музея Фаберже, BREUS Foudation, частной коллекции главы Дома Guerlain, а также в частных коллекция многих стран – России, Франции, Кореи, США и Китая.
В представленной работе из серии «Деформация» зафиксирован процесс глубинных изменений во время переживания чего-либо, приходящего извне, те метаморфозы, что происходят внутри человека в процессе осмысления, то шрамирование событиями и переживание их и самой мысли о них, которые искажают нашу когнитивную оболочку.
"Получив художественное академические образование, продолжаю развиваться в различных современных медиа, находясь в поисках новых форм и образов, постоянно эксперементирую с художественными языками. Но львиная доля моей изобразительной практики всё же является чёрно-белой графикой.
В своём творчестве часто сталкиваю академическое рисование с современными тенденциями, на данный момент на грани между ними находится самое интересное для меня пространство для исследований. Именно там можно узнать пределы нормальности и субьективности, реальности и мистицизма, высвободив образы подсознательного в более доступном изобразительном ключе.
Творчество всегда должно быть искренним, чтобы найти своего зрителя. Творчество - это постоянный поиск своих сторон. Это наслаждение от находки. Это непрерывное недовольство от уже сделанного, как знак того, что надо двигаться дальше.
Деформация (от лат. Deformatio – «искажение») – изменение взаимного положения частиц тела, связанное с их перемещением друг относительно друга. В данной серии представлены глубинные деформации, происходящие внутри человека. Восприятия событий, переживания и мысли, а так же внешние факторы проходят сквозь нас , искажая когнитивную оболочку. Деформация – это фиксация этих ощущений."
Павел Бушуев
ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ И НАГРАДЫ:
- 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
- 2023 —Тихий ход. (Не)очевидная арт-сцена Петербурга, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
- 2022 — blazar young art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва
- 2022 — Cosmoscow art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва
- 2022 — a—s—t—r—a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
- 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
- 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a—s—t—r—a, Винзавод, Москва
- 2022 — Программа Арт Москва в рамках 48 Российского атикварного салона, галерея a—s—t—r—a. Гостиный двор, Москва
- 2021 — Групповая выставка "12345 я иду искать", Санкт-Петербург, Россия
- 2021 — Cosmoscow art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва
- 2021 — Blazar, галерея a—s—t—r—a, Москва
- 2021 — Программа Арт Москва в рамках 46 Российского атикварного салона, галерея a—s—t—r—a. Гостиный двор, Москва
- 2021 — "Russian Shield", Санкт-Петербург, Россия
- 2020 — Cosmoscow art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва, Россия
- 2019 — АРТ Ивент Suspense. Особняк Бракгаузена, Санкт-Петербург
- 2019 — АРТ Ивент Suspense 2.0. Порт Севкабель, Санкт-Петербург
- 2018 — Интервенция. Эрмитаж, Главный Штаб, Санкт-Петербург
- 2018 — Международная пятая биеннале графики. Румыния
- 2012 — Международная художественная выставка. Пекин, Китай
- 2011 — 1 место в конкурсе на разработку дизайна олимпийской купюры
- 2010 — Международная выставка искусств. Сеул, Корея
Кривошеин Артур
Родился в 1994 году в городе Уфа. Основное направление в работе – абстракционизм. Живет и работает в Москве и Париже. Работы находятся в частных собраниях.
Родился в 1994 году в городе Уфа.
Выпускник Московского Государственного Технического Университета им. Н.Э. Баумана и Школы современного искусства «Свободные мастерские», ММОМА.
Живет и работает в Москве и Париже. Работы находятся в частных собраниях.
ОБРАЗОВАНИЕ:
2021-2022 — Школа современного искусства «Свободные мастерские», ММОМА
2012-2018 — Московский Государственный Технический Университет им.Баумана
"В моих работах абстракция — это способ познать и зафиксировать процесс мышления. Чаще всего мои картины начинаются от единичной отправной точки на холсте, а завершаются многослойной массой элементов. Случайные детали, возникшие без раздумий, спонтанно, подобно тому, как наши мысли накладываются и переплетаются между собой.
В этой связи, картина для меня является полем для фиксации человеческого переживания, жизненного выбора, внутреннего конфликта или согласия. Данные чувства не имеют форму в материальном мире вещей, однако в моих работах они способны приобрести собственный образ. Никто не знает, как выглядит человеческий процесс принятия решений, эмоций и событий, ведь у каждого он свой. Поэтому для зрителя именно абстракция, а точнее, отвлечение от привычных форм, дает свободу восприятию и воображению.
Таким образом, окончательный исход той или иной работы изначально никогда мне неизвестен, так же, как и названия моих картин, которые являются максимально спонтанными. Для меня это не является импровизацией, скорее для меня это такой же мыслительный процесс, принятие решения и выбор, который человек обречен совершать бесконечно».
Артур Кривошеин, художник
ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:
- 2023 — Продавец цветных ракушек, a—s—t—r—a gallery, Москва
- 2023 — Blazar, a—s—t—r—a gallery, Москва
- 2023 — «Les primevères», Microcredit, Париж
- 2023 — «Сортировочный центр», музей ZAMAN, Уфа
- 2022 — blazar young art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
- 2022 — «Будущее уже», MMоMA (Гоголевский, д.10), Москва
- 2022 — a-s-t-r-a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
- 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», a—s—t—r—a gallery, Манеж, Санкт-Петербург
- 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a—s—t—r—a, Винзавод, Москва;
- 2021 — персональная выставка «Google page 7», 2021, Москва;
- 2021 — «Смотрящий за землянами», галерея ЗДЕСЬ на Таганке;
- 2021 — выставка «Поля»; BLAZAR ART;
- 2020 — персональная выставка, IMPULSE, 2020, Москва;
- 2020 — Opening/Collection/Plans, New sincerity gallery, 2020, Москва.
ТЕКСТ К ВЫСТАВКЕ «SELLER OF COLORED SHELLS»
философа и теоретика искусства БОРИСА КЛЮШНИКОВА
«В своей персональной выставке «Продавец цветных ракушек» Артур Кривошеин обращается к визуализации периода детства. Что каждый день окружает нас в детстве? Какие книги, фильмы, игры? Бесконечные исследования пространства, прогулки, разговоры и маленькие открытия и представления. Как понять среди всего этого многообразия то, что по-настоящему повлияло на тебя? Перебирая свои воспоминания, так же как разбирая ракушки на пляже, мы находим смешные, красивые, разноцветные, уродливые, любых форм и размеров. Которую ты заберешь на память?
Кривошеин связывает возникновение картин с опытом своей семьи, так например, разговоры об искусстве с дедушкой, который также был художником, пронизывают детские воспоминания. В детстве в доме висела репродукция Ван Гога, которую художник принимал за работу дедушки. Этот случай может многое прояснить в отношении художника к живописи. Как отмечает искусствовед и философ Борис Клюшников, Ван Гог в XX-ом веке занимает место мифа о живописце, который, работая с цветом и размышляя о его воздействии, был маргинальным художником и началом модернистского канона. Кривошеин, в свою очередь, сталкивает модернистские приемы, которые переплетают историю искусства и «семейное древо». Эти случаи указывают на то, что художник коллажирует не просто элементы (мазки, пятна и осколки образов), а связи этих элементов с семейным субъективным опытом. По мнению художника на это способно только абстрактное искусство - оно может по другому расчертить и картографировать этот опыт. Абстракция, понятая таким образом, прослеживается в названии многих работ - «За партой с весной», «Блюз выдуманных животных», «Тигровый привкус»: они поэтичны и сами будто режут и склеивают иначе части языка, что похоже на игру с языком ребенка: он учит язык, играя с самими фразами, пробуя их на вкус.
В случае Ван Гога, заслуга художника состоит в использовании диссонантных цветов, согласно теории Гете. Артур Кривошеин, напротив, работает с цветом гармонично. Картина должна быть готова, когда она обретает "единство" с самим художником.
Как говорит сам Кривошеин: «Мне нравится заново и заново «начинать отношения» со своей картиной. Я всегда работаю без эскиза, и первоначальный слой картины это чистый абсурд, это может быть заигрывание с одним из шедевров экспрессионистов начала 20 века, чей-то портрет, натюрморт и многое другое. После чего я принимаюсь искажать этот первоначальный образ до неузнаваемости, не зная каким будет итог, но при этом не теряя контакта/диалог с картиной. На последнем этапе между мной и холстом должна царить полная гармония, в произведении должны быть отражены и видны все мои мысли и ходы от одного элемента к другому».
Это единство, нужда в нем, связано с гармонией, которая должна установится в первую очередь с ощущением детства. Это построение опыта прошлого, работа с ним. Поэтому в живописи Артура Кривошеина появляются мотивы ярких мультиков, природы, игр, которые превращены в абстрактные мерцающие формы. Для этого художник сталкивает традиции абстрактного искусства с приемами нео-дада. Повседневные объекты: старые книги, бумага, газеты попадают на холст и намечают плоскость картины. Полное заполнение холста, где модернисткая решетка должна быть монотонна и серийна, у Кривошеина обретает крайнюю степень различия подобно живописным взрывам. Эти элементы будто сталкивают кубистические принципы с принципами раннего абстрактного экспрессионизма.
Таким образом, данный опыт детства не описывается, по мнению художника, никак иначе - его можно ухватить только абстрактными средствами. Исследуя воспоминания, которые так часто носят также абстрактный характер, и особенно ярки на цвета именно в связи с детством, Кривошеин создает и как бы приглашает зрителя разделить этот опыт, «поразбирать» свою коллекцию ракушек, найти свой цвет и свои моменты».
Самойлов Юрий
Работы Юры – это методологическое вглядывание в природу живописи, в этом он продолжает линию абстрактных живописцев Америки и немецких неоэкспрессионистов 1960-70 гг (особенно близки Де Кунинг, Базелиц и Кифер). Через них Самойлов обращается и к вопросу метода, который для него заключается в проблеме соотношения фигуратива и абстракции. К этой границе художник подходит с помощью автоматического письма и палимпсеста фактур.
Родился в 1987 г.
Юрий – график и живописец с неординарным бекграундом.
Впервые начал заниматься изобразительным искусством в 20 лет, затем, отучившись в МШНК на сценариста и режиссёра, вернулся к картине и рисунку.
Работы Юры – это методологическое вглядывание в природу живописи, в этом он продолжает линию абстрактных живописцев Америки и немецких неоэкспрессионистов 1960-70 гг (особенно близки Де Кунинг, Базелиц и Кифер). Через них Самойлов обращается и к вопросу метода, который для него заключается в проблеме соотношения фигуратива и абстракции. К этой границе художник подходит с помощью автоматического письма и палимпсеста фактур.
Создавая абстракцию, есть очень большой риск, выйти в изобразительное именно случайно, непреднамеренно. Автоматическое письмо, снимает эту проблему делая образ тождественным по значению и важности абстракции. Грань стирается, и однозначно фигуративное может использовать тот пластический язык, в котором оно узнается не сразу.
То же с палимпсестом: Юрий наносит и стирает слои краски, перекрывает одну другой, выскабливает рисунок острым оборотом кисти и использует баллончик наравне с акрилом из тюбика и пастелью. Фактура этих работ тяготеет к скульптурной пластике, а значит, к пафосу материала. Материал и его лепка становится не менее интересными и важными, чем само изображение.
Благодаря всему этому создаются работы в которых зритель может обнаружить столкновение разных проблем визуального, каждая из которых по-своему привлекательна: от границ образной живописи, автоматического и продуманного, до нагнетания фактуры, как способа преодоления самой живописи.
«Невидимые Животные»
Я нахожусь в комнате окруженный невидимыми животными. Не могу уснуть, поэтому лениво, без особого интереса, разглядываю их – существ, которых я видел слишком много раз.
Головокружительный водопад разноцветных капель, цвета красок раскиданных по всей комнате, врывается в темноту приоткрытых глаз, образуя несколько простых фигур – детей или взрослых в воде – вода настолько непрозрачна, что скорее всего это болото, на трибунах миллионы зрителей, они болеют за всех сразу и за каждого в отдельности – как я когда ползаю по полу и собираю тюбики с краской, которые от напряжения моих пальцев напоминают все фигуры «Врат Ада» сразу и каждую в отдельности.
- Незачем расстраиваться! – кричит мне кто-то из проигравшей команды и медленно уходит на дно, в последний раз щурясь на бледно розовое солнце в вершинах угольных елей.
Это деревья скрипят или мое кресло?
Первая мысль, которая пришла мне в голову, когда я прикоснулся пальцем в черной акварели к белому листу бумаги – осторожно осмотрев мир по сторонам доступных мне поверхностей – была – слегка скрипнул морской песок под подошвой – а что я на самом деле рисую? Что если «проявить» картину, может для этого нужно смыть краску и найду ли я под ней что-то интересное – свою настоящую картину?
Под черной каплей оказался полупрозрачный черный круг, покрытый черными лучами, уходящими в центр круга. Дальше серая бумага, дальше морской песок на полу, пульс в глазах – за окном, на желтом деревянном заборе сидит пластиковая малиновка и прижимает клюв к груди, как будто хочет клюнуть свое сердце – голова отрывается и падает в зеленую траву.
Облака в небе улыбаются.
Это все я нарисовал? Минимум средств, уж точно, не это ли отличает хорошего художника? М? Нет.
Голос, который рассказывает эту историю становится/превращается в звук резкого падения. Невидимые животные оголяют часть пространства, невиданная щедрость с их стороны, невидимая щедрость образа: пластиковая голова малиновки в мелких травинках лежит на полу моей комнаты.
Лучшее лекарство от бессонницы – просто не спать.
Сжимаю голову малиновки в своей ладони. Тишина. Здесь все время слишком тихо. Тишина крупным шрифтом.
Колечки из зефира – бледно лимонные, чуть-фиолетовые и одно цвета вулканического пепла.
Кольцо, луп – цвет зацикленный сам на/в себе, паттерн. Над ладонью малиновое кольцо. Оно медленно крутиться – не издавая ни звука. Цвет медленно превращается в тишину.
Крутиться со скоростью свойственной только цвету. В темноте, в собственном, чуть заметном глазу - сиянии. Колец-лупов становится все больше и больше, все разных цветов и размеров.
Ожидание звука ошеломляет – свинцовые тучи без дождя…
Оглушенный тишиной…
Я разжимаю ладонь…
Снова темнота.
Вроде появились звуки. Убираю голову пластиковой малиновки в карман.
Утро. Готовый завтрак – радужные колечки с фруктовым вкусом…
Оглушенный цветом…
Так что мы рисуем на самом деле?
ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:
- 2023 — Blazar, a—s—t—r—a gallery, Москва
- 2022 — blazar young art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
- 2022 — a—s—t—r—a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
- 2022 — solo show Юрия Самойлова «How to disappear completely», a—s—t—r—a gallery, ЦСИ "Винзавод"
- 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», a—s—t—r—a gallery, Манеж, Санкт-Петербург
- 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a—s—t—r—a, Винзавод, Москва
- 2021 — blazar young art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
- 2021 — Участие в международном проекте "Выход из черного квадрата", Новосибирск
- 2021 — Программа Арт Москва в рамках 46 Российского атикварного салона, a—s—t—r—a gallery. Гостиный двор, Москва
- 2020 — Участие в Международном проекте современного искусства THE WALL ("СТЕНА"). Каменск-Уральский художественный музей, Каменск-Уральский
- 2020 — Групповая выставка "Я потерял след мира". Куратор Ирина Шульженко. Пространство "Рихтер", Москва
- 2019 — Участие в групповой выставке «Один, два, три» под кураторством a—s—t—r—a gallery. CUBE MOSCOW, Москва
- 2019 — Участие в международном проекте "Выход из черного квадрата". Трехгорная мануфактура, Москва
- 2019 — Персональная выставка "Мертвый бодибилдер". Пространство "Рихтер", Москва
- 2018 — Two guys /One Exhibition (совместно с американским фотографом Джоном Хантером Тенни, Свободная мастерская)
- 2018 — Перформанс «Семь джентельменов в Москве». Галерея «Osnova», Москва
- 2018 — Перформанс «9 раунд». «Октябрь», Москва
- 2017 — Перформанс "Шестая симфония". Плутон, Москва
- 2017 — "Сад" (Студия экспериментального искусства Meditating Dog)
ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:
- Комментарий Юрия Самойлова для рубрики Art Saves о художниках на самоизоляции для КоммерсантЪ
- Комментарий Юрия Самойлова для Afisha Daily "Карантинная галерея: над чем работают художники в самоизоляции"
- Подборка Afisha Daily с лучшими арт-подарками на Новый год
- Дайджест Vogue "Модные планы на выходные" о персональной выставке в пространтве "Рихтер"
- REGNUM.RU о выставке "Один, два, три" в CUBE MOSCOW
- Статья The Art Newspaper "Доступные шедевры: тираж, бумага, молодость"
- https://theblueprint.ru/culture/art/kak-izmenitsya-rynok-iskusstva